CONTENIDO 2
EDITORIAL 3
BLUES A LA CARTA
Vienen pronto a México!!! Guy King y Sugar Blue (1)
THE FORTY NIGHTERS.
UNA EXPERIENCIA
SEMBLANZAS
EL BLUES Y LA PALABRA
BLUES EN RADIO E INTERNET 25
MENTES EN CONSTRUCCIÓN
TIEMPO DE BLUES… DE AYER Y HOY:
HUELLA AZUL
1er. ENCUENTRO DE BLUES EN PUEBLA
CULTURA AFROESTADUNIDENSE Y SOCIEDAD
DEL WEEKLY REVIEW
SUPLEMENTO ESPECIAL: 101 GRANDES CANCIONES DE BLUES EN ESPAÑOL. The Doors: A las puertas del blues de la cabaña. Primera parte 4 Una banda de blues de Madrid (2) 11 Hot Road Blues. Segunda parte (2) 12 James Cotton (3) 18 Dust my broom, Sobre dejarla y buscarla (4) 22 Tranvía a la luna: Inside Looking Out (5) 26 ¿Feria Internacional de la Música en Guadalajara? (6) 30 Breve entrevista con Eduardo "Lalo" Cabañas de T44 Blues Band (7) 33 (1) 36 (8) 40 (9) 41 Parte I (1,2 y 10) 43 Cultura Blues. La revista electrónica "Un concepto distinto del blues y algo más…" www.culturablues.com
Año 1 Núm. 4 – septiembre de 2011 Derechos Reservados. Dirección y edición: José Luis García Fernández (1)
Director asociado: Mario Martínez Valdez
Administrador web y diseño de portada: José Luis García Vázquez (dj_james88@hotmail.com) (11) Administrador facebook: Alfredo "Freddy" Reyes
Equipo de Colaboradores: Héctor Martínez González (2), Javier Caneda (3), Jesús Martín Camacho (4), Alfredo "Freddy" Reyes (5), Raúl De la Rosa (6), María Luisa Méndez (7), Eleuterios (8), Marco Antonio García Hernández (9) y Luis Eduardo Alcántara (10). Todos y cada uno de los artículos son responsabilidad de quienes lo firman. Número 4 www.culturablues.com Página 3 Editorial Cultura Blues. La revista electrónica "Un concepto distinto del blues y algo más…" "Seguimos trabajando por el blues y para el blues,
esto es lo mejor… y engrandece" Para esta ocasión tenemos un número más que completo. En Blues a la Carta encontrarás la primera parte de un artículo tributo a la legendaria banda The Doors, así como dos semblanzas de músicos de corte internacional que estarán pronto en México en un Festival por rumbos de la colonia Polanco.
En Mentes en Construcción la deliciosa narrativa de Freddy, ahora con Tranvía a la luna (Inside looking out), llena de reminiscencias y agradables pasajes.
La opinión calificada a Tiempo de Blues de Raúl de la Rosa, con respecto a un evento realizado en la ciudad de Guadalajara: el Festival Internacional de la Música 2011.
La entrevista en Huella Azul corresponde al guitarrista mexicano Lalo Cabañas integrante de la banda regiomontana T44 Blues Band.
Un primer encuentro de blues en tierras poblanas, derivó en una breve pero significativa reseña de lo sucedido en el evento coorganizado por nuestros amigos de Serpiente Elástica y el Departamento de Difusión Cultural de la Benemérita Universidad Autónoma de Puebla.
Regresa Eleuterios con un corto escrito comparativo sobre Amy Winehouse y Aretha Franklin, además el Weekly Review desde el adolorido Monterrey con Marco Antonio García.
Desde España, la segunda parte de los Carros Calientes, una semblanza del gran James Cotton y de una rola clásica Dust my broom; pero también de la banda de Madrid The Forty Nighters.
Y el suplemento súper especial es… la primera parte de un ensayo sobre
¡Hasta la próxima… y no dejen de asistir a los eventos de Cultura Blues Producciones! 101 grandes canciones de blues en español, un trabajo espectacular e inédito realizado por el equipo del consejo editorial y algunos colaboradores calificados. JOSÉ LUIS GARCÍA FERNÁNDEZ 1 de septiembre de 2011Número 4 www.culturablues.com Página 4 Blues a la Carta José Luis García Fernández jlgf2@hotmail.com THE DOORS: a las puertas del "Blues de la Cabaña". Primera parte Como un merecido homenaje a una de las mejores bandas de todos los tiempos y que influyeron en mi gusto por el rock-blues, escribo y transcribo este artículo con gran emoción, para esta nueva edición de Blues a la Carta. El estilo musical de los Doors se basó en una mezcla de blues y rock psicodélico.
Ray Manzarek el tecladista le aportó elementos de música clásica y del blues (por la influencia de sus padres); Robby Krieger, el guitarrista, del flamenco y John Densmore, el baterista, del jazz junto con aportes latinos.
Las letras del grupo, compuestas principalmente por Jim Morrison, su cantante, se apartaron en gran medida de las convenciones del pop de su época.
En los textos de sus primeros discos (
Es destacable en referencia a lo anterior el gusto de Jim Morrison por la poesía de los simbolistas franceses, como Arthur Rimbaud o Paul Verlaine.
En los últimos discos, como
En 1967 llegaba al primer puesto de las listas americanas
El tema interpretado por el nuevo grupo iba a constituirse en una flor salvaje dentro de la densa vegetación del rock californiano durante la década de los años sesenta.
The Doors eran hijos de una California que había hecho propia la nueva filosofía hippie adoptando sus "instrumentos": las drogas, el sexo y una revolución que pretendía liberarse de los tabús impuestos por una sociedad puritana. Número 4 www.culturablues.com Página 5 A esto se añadía una nueva conciencia civil pacifista, activada por la sucia guerra de Vietnam en la que miles de jóvenes americanos eran obligados a combatir. The Doors y Strange Days), el elemento visionario propio de la psicodelia aparece expresado en imágenes que beben de la tradición romántica y simbolista, actualizándola con guiños al existencialismo y el psicoanálisis. L.A. Woman, la lírica de Morrison evoluciona hacia letras más sencillas e inmediatas, al estilo del blues como lo veremos más adelante. Light My Fire, cuya letra llena de alusiones sexuales acompañaba a una música con gran vitalidad y energía. Breve historia James Douglas Morrison, nacido el 8 de diciembre de 1943 en Melbourne, Florida, hijo de un almirante, se trasladó a California tras haber terminado en su ciudad natal los estudios superiores para diplomarse en cinematografía por la UCLA (Universidad de California, Los Ángeles).
En 1964, en la playa de Venice, Jim se encontró con Ray, un tipo cuatro años mayor que él; era un pianista con raíces clásicas que tocaba con sus hermanos en una banda local de rhythm & blues llamada: Rick & The Ravens.
Morrison le dio a leer a Manzarek el texto de Moonlight Drive, una canción que acababa de escribir, Ray se entusiasmó y lo invitó a formar parte de la banda, diciéndole en tono de broma "
En septiembre de 1965 Jim "Rey Lagarto" Morrison, se unió a The Ravens, grupo en el que también se encontraba el ya experimentado baterista, John Densmore.
Morrison nunca había tocado una guitarra ni sujetado un micrófono.
Escribía sus canciones imaginándose delante del público mientras las cantaba, y una vez unido al grupo, aprendió a cantar en serio, apoyando su canto en unos movimientos corporales que secundaban la tensión erótica de sus letras y que, probablemente, provenían de sus estudios cinematográficos.
La banda grabó sus primeras cintas y firmó un contrato de prueba basado en seis canciones de Jim. Sin embargo, los hermanos de Manzarek no compartían las ideas de Morrison y, en consecuencia, se marcharon; el guitarrista Robby Krieger se unió a los supervivientes.
Los cuatro escogieron un nuevo nombre, The Doors, inspirado en un verso de William Blake "Entre lo conocido y lo desconocido de este mundo están las puertas" y en el título de un célebre libro de Aldous Huxley, The doors of perception "Las puertas de la percepción".
El contrato que habían firmado no se hizo efectivo porque ningún productor tenía el coraje de arriesgarse con The Doors, que tocaban en Los Ángeles, en un club de Sunset Boulevard, el "London Fog", donde Morrison desarrollaría todo su poder de atracción.
A finales de 1966 la banda tocó en el "Wiskey A-go-go", donde llamó la atención del líder y guitarrista de la banda de rock Love, Arthur Lee, quién cautivado por sus canciones, le propició un contrato con Elektra. Número 4 www.culturablues.com Página 6 Así salió nos haremos ricos". The Doors, rock-blues con marco psicodélico enriquecido por la teatralidad conmovedora de la voz de Morrison, perfectamente ligado al desenfreno visionario de sus letras. A esto se sumaba el órgano minimalista e hipnótico de Manzarek, la guitarra nerviosa y sensual de Krieger y la impactante batería de Densmore.
En este su primer trabajo se encuentran algunos clásicos ineludibles para entender la importancia de esta banda en la historia del rock, como el primer sencillo
ponen de manifiesto la destreza, compenetración, imaginación y gran técnica de unos músicos excepcionales.
En el álbum destacaba
Pero fue
De esta manera, The Doors ya en sus comienzos se convirtieron en objeto de culto para los medios underground californianos y estadunidense.
En la edición remasterizada aparecida por el 40 aniversario vienen tres bonus tracks, dos versiones de Moonlight drive y una de Indian summer, que más tarde aparecerían en su versión final para el segundo y cuarto álbum, respectivamente.
En breve publicaron su segundo álbum, Strange Days, que reforzaba la vena delirante y obsesiva del disco anterior. Esta intención estaba simbolizada en la propia portada por un conjunto de enanos y personajes circenses. Número 4 www.culturablues.com Página 7 La magia continuaba. Y es que una buena parte de los temas de Strange Days fueron compuestos al mismo tiempo que los incluidos en el primer álbum del grupo editados al principio del mismo año. En Strange Days también se encuentra concentrado el espíritu de The Doors, un grupo que elevó la concepción artística de la música pop afrontando asuntos transcendentes para la sociedad en la que vivían.
La propuesta del álbum se muestra desde el principio en su portada surrealista de estética circense y, especialmente, en su contenido: la lírica y la psicodelia imprimidas en bellas baladas como
Morrison deja su huella poética con la ensoñadora
El desgarrador corte final,
El primer y segundo álbum ofrecían ya material suficiente para memorables conciertos donde Morrison interpretaba, con total identificación, sus extraños papeles.
Con una destacada propensión al melodrama y a unos gestos entre lánguidos, pecaminosos y desolados, desencadenó el entusiasmo de sus jóvenes fans y el sarcasmo de los más adultos Break on through (to the other side), el número 1 Light my fire (con un gran teclado de Manzarek) y la apocalíptica The end, circundadas por el sentir blues de la versión de Willie Dixon Back door man, una estupenda recreación del Alabama song (Whiskey bar) del alemán Bertolt Brecht y Kurt Weill, y otras temas de cosecha propia como Soul kitchen, The crystal ship, Twentieth Century Fox, I looked at you, el halo de misterio que rodea a la psicodélica End of the night y el enérgico estribillo de Take it as it comes, piezas que The end, una obra maestra absoluta de once minutos en la que Jim hablaba del complejo de Edipo, del incesto, del parricidio y de otras angustias, con un tono de tragedia griega y un delirio de imágenes emblemáticas. Precisamente esta canción provocó la despedida de la banda por parte de la dirección del "Wiskey A-go-go", escandalizada ante tanta escabrosidad. Light my fire, con una versión de seis minutos, la canción que constituyó el sencillo de éxito del grupo, provocando un alud de emisiones radiofónicas y alcanzando la cumbre de las listas nacionales. You’re lost little girl y I can’t see your face in my mind el desenfreno de sonidos turbadores en Moonlight drive, los portentosos ejercicios de mixtura de expresión musical en las impresionantes People are strange, Strange days, My eyes have seen you, Unhappy girl y el espectacular delirio de sonidos pop-rock, con una poderosa carga sexual, que supone su sencillo Love me two times. Horse latitudes, recitada por el cantante con sonidos sombríos de fondo. When the music over, es un extenso poema épico que cierra éste fantástico disco que -como The end, tema que cierra su anterior trabajo- es un juego de interacción dramática entre los músicos y la voz de Morrison con un clarificador mensaje para la juventud de la época: "Queremos el mundo y lo queremos ahora" ("We want the world and we want it, now"). Con este disco el grupo californiano se reafirmó como uno de los más innovadores y controvertidos de la década de los 60´s.
Los bonus tracks para este álbum en la edición de aniversario son dos: una versión alterna de People strange y otra de Love me two times. En 1968 el mundo juvenil se tambaleaba preso de numerosos conflictos. CONTINUARÁ… Número 4 www.culturablues.com Página 8 VIENEN PRONTO A MÉXICO!!! GUY KING, Joven rey de la tranquilidad Guy King, es un refrescante talento joven que parece estar lleno de sorpresas "Productor de muy buen gusto y habilidoso, arreglista, guitarrista, cantante, compositor y director de orquesta que le gusta establecer cosas nuevas y ser muy cool; sabe cómo hacer que la música fluya.
En su disco
Arranca el CD con una pieza homenaje a su último maestro, "Countdown" instrumental de Willie Kent, con una base de batería y sección de metales poderosos impulsando la interacción entre la guitarra y los teclados…
Como director de orquesta, arreglista y productor, sabe la cantidad de ingredientes para la mezcla perfecta en cada receta musical.
La sección de metales va desde el soul de Memphis hasta el swing de Texas, las cantantes de apoyo dan un toque de semejanza -a las coristas de Ray Charles-, The Rae-lettes, mientras que la sección rítmica explota con un excelente groove.
Como compositor de canciones populares, es un escritor de primera clase con algo que decir y un mensaje positivo a trasmitir…es un refrescante talento joven que parece estar llena de sorpresas". Livin ' It, Guy es el rey de la tranquilidad o suavidad. Pero sólo para hacer de nuestro conocimiento lo que puede provocar…que es demasiado. Chicago Blues Guide (US) – Linda Cain. Guy King, como vocalista y guitarrista dejó huella 10 veces en los premios W.C. Handy (Blues Foundation), siendo mano derecha y director de la banda de su maestro: Willie Kent.
Es un emocionante artista nuevo cuya estrella está aumentando. Aunque es muy joven, su riqueza que lo respalda es la experiencia internacional a lo largo de todo el mundo, que lo ha ayudado al incorporarla a su arte.
Nació y se crió en un pequeño pueblo de Israel, llegó primero a Memphis Tennessee a la edad de 16 años. Después de una corta estancia en Memphis y una temporada en Nueva Orleans, se trasladó a Chicago en la búsqueda de cosas nuevas y una carrera musical. Número 4 www.culturablues.com Página 9 Durante el tiempo que pasó con Willie Kent and The Gents ha tenido el privilegio y honor de recorrer el mundo: en un lapso de seis años, tocó en unos 250-300 espectáculos al año, se presentó a nivel internacional en Japón, Francia, Bélgica, Suiza, Inglaterra, así como a nivel nacional (Estados Unidos) en Jackson MS, " King Biscuit Festival" en Helena –Arkansas-, "North Atlantic Festival" en Rockland Main, "Chicago Blues Festival", "W.C. Handy Blues Awards" en Memphis Tennessee, etc. Hizo de Chicago su casa pasándose las noches tocando en clubes como: "Blue Chicago", "B.L.U.E.S", "Buddy Guy’s Legends" etc. Después de que Mr. Kent falleció en marzo de 2006, decidió formar su propia banda. En muy poco tiempo se convirtió en uno de los favoritos en los lugares notables de Chicago, tales como: "Buddy Guy’s Legends", "Andy’s Jazz Club", "House of Blues", y "Rosa’s Lounge" entre otros. Se presentó en el Festival de Blues de Chicago en 2007 y 2008, y en el Festival de Blues de Campli, Abruzzo, Italia, en julio de 2008.
Su música es fresca y única, manteniendo un vínculo fuerte con los maestros tales como: Ray Charles, B. B. King, Johnny "Guitar" Watson, Albert King, Jimmy McGriff, Albert Collins, T. Bone Walker, Muddy Waters, Robert Johnson, Lightnin' Hopkins etc.
Su álbum debut: Livin' It está recibiendo críticas muy favorables en la escena musical de hoy. Consulta: http://www.guyking.net/ SUGAR BLUE, Maestro de un gran nivel Sugar Blue, es un héroe de la armónica blues, con una envidiable trayectoria James Whiting, mejor conocido como Sugar Blue es uno de los pocos armonicistas famosos de la generación del "Baby Boom" (generación compuesta por los nacidos poco después del fin de la Segunda Guerra Mundial en Estados Unidos).
Nacido en la ciudad de Nueva York en 1950, se inició en la armónica desde su adolescencia.
Cuando tenía alrededor de veinte años obtuvo créditos en grabaciones con Roosevelt Sykes, Brownie McGhee y Victoria Spivey.
Se trasladó a París en 1976 y estaba tocando en una fiesta allí cuando conoció a alguien que afirmaba conocer a Mick Jagger. Número 4 www.culturablues.com Página 10 Ese "alguien" le indicó que debía llamarle al jefe Stone a su residencia de París.
Escéptico, marcó el número, y el resultado fue que era requerido para hacer un solo como músico invitado en la rola
También grabó con las Piedras Rodantes en los álbumes Miss You del álbum Some Girls. Emotional Rescue y Tattoo You, por tal motivo se fue con ellos a la gira Steel Wheels Tour. En Estados Unidos, grabó con la banda de Willie Dixon´s All Stars y fue galardonado con un Grammy en 1986 por el disco "Another Man Done Gone".
Sugar Blue ha grabado desde entonces en la etiqueta de Alligator y es un intérprete regular en el área de Chicago.
Indiscutiblemente se le recuerda por haber actuado en escenarios de festivales con artistas clásicos como Muddy Waters, B.B. King, Art Blakey y Lionel Hampton.
Blue sigue apareciendo en clubes y festivales alrededor del mundo y también ha fijado su mirada en la pantalla grande y en la televisión.
Se unió a Fats Domino, Ray Charles y Jerry Lee Lewis para el especial de Cinemax,
El 26 de enero de 2010, Beeble Music lanzó Threshold, el más reciente álbum de Sugar
Para más información consulta su página web en: Fats Domino y amigos, y ha aparecido en el cine con la partitura musical del aclamado thriller de Alan Parker: Angel Heart, protagonizada por Robert De Niro en 1987. Blue. http://www.sugar-blue.com CONTINUARÁ…************************* PRÓXIMAMENTE…2º Festival Internacional Polanco Blues 2011 YA VIENE…ESTÉN PENDIENTES!!! ************************ Número 4 www.culturablues.com Página 11 THE FORTY NIGHTERS Una banda de blues de Madrid Héctor Martínez González En el verano de 2006, dos jóvenes guitarristas se conocen con la intención de saciar sus ganas de tocar Blues. Su juventud se ve compensada con creces por su buen gusto y su conocimiento del blues de Chicago, estilo al que se rendirán homenaje en muchas de las canciones que interpretan.
No tardan mucho en convencer a tres tipos más para que coloreen y den soporte rítmico al proyecto ilusionante que tienen en mente: conseguir sacar adelante una banda de Blues de los suburbios del cinturón industrial de Madrid.
Cinco años después, dos discos auto-editados ("Keep Foolin' Around" y " First Aid Blues"), una gira por Europa (Alemania, Holanda, Bélgica y Luxemburgo) y la participación en Festivales Internacionales de Blues y programas de televisión y radio, hacen que el grupo esté preparado para hacer bailar, reír y disfrutar a todas las personas que se acerquen a uno de sus conciertos. The Forty Nighters son: Álvaro Leal – cantante y guitarra Francisco Javier Gonzalo – guitarra Héctor Martínez – armónica José María Contreras – bajo Eric Domínguez – batería Mayor información en: http://www.thefortynighters.com Número 4 www.culturablues.com Página 12 Una Experiencia Héctor Martínez González hertormenta@hotmail.com HOT ROAD BLUES. Segunda parte El coche contra el que compite Chuck Berry en la canción, un Cadillac, era también el competidor más duro de Ford: Cadillac es una marca fundada por una antiguo ingeniero de Ford y pronto se convirtió en una de las marcas referente en Estados Unidos y favorita de gran parte de la población. Tanto, que incluso se les enseñaba a las mujeres a conducir un Cadillac: Cadillac Baby, de Will Batts (1933) Somebody learned my baby: how to shift gear on a Cadillac Eight
Ever since that day: I can't keep my baby straight Siempre con muchísima sorna: alguien le ha enseñado a mi chica a cambiar de marchas en un Cadillac Eight y desde entonces no hay quien la mantenga recta. Algo muy similar a lo que había cantado ya anteriormente, 7 años antes, el tejano Blind Lemon Jefferson:
Booger Rooger Blues, de Blind Lemon Jefferson (1926) Some joker learned my baby: how to shift gears on a Cadillac Eight
If you ever shift that habit: now I can't keep my business straight En los años 30, la fabricación de este modelo, el Cadillac Eight, supuso la culminación del coche como vehículo de lujo y refinamiento dentro de la gama deportiva (en otro escalón estarían los Rolls o los Lincoln).
Ésta fue la principal ganancia de Cadillac, que siempre se sintió más a gusto fabricando buenos coches (entendiendo esto como caros y exclusivos) que abaratando costos y precios. 1932 Cadillac Eight convertible coupé Coches grandes y elegantes que pueden dar un susto a cualquiera en una curva, como advierte el también grande y elegante Chester Burnett:
Cadillac Daddy (Mr. Highway Man), de Howlin' Wolf (1952) Be careful what you're drivin', man
That Cadillac may get away, you better be careful! ...
I love the Cadillac, long wreckin' machine
I love a Cadillac, it's a long wreckin' machine Me and my baby can ride it, ev'rything is nice 'til then Grandes, elegantes y, por supuesto, negros. El coche de un bluesman siempre debe ser negro:
Big Black Cadillac Blues, de Lightnin' Hopkins (1959) Please come on back
For you’ve got smething of mine
I’m sure I like this black Cadillac in the morning
My black Cadillac in the morning
Yeah, my black Cadillac Pronto, las grandes ciudades, como Chicago o New York, estuvieron plagadas de estos magníficos coches:
Chicago Blues, de Lonnie Johnson (1942) Chicago is all right to visit, but please don't hang around.
You'll find smooth blacks and high yellows, boy and those mellow browns.
But when your bankroll is gone, you just another chump that's dropped into town.
My first night in Chicago, my friends they really treated me fine.
And over night, they all changed like daylight savings time.
And everything I wanted, I had to lay my money down on the line.
I said, "Baby you're so lovely, your eyes shine like the stars above.
You wear number 3 shoes, yes and wear number 5 gloves."
She say, "It's money I need, baby, and I don't need love."
I said, "I could make you love me darlin', baby I just know I could.
You can learn to love me, baby, I know you could."
She says, "Lay your money down, baby, and make your bettin' good."
I said, "Let's go to New York baby, I'll buy you anything you like.
I will give you plenty of money, I will buy you a 1942 Cadillac."
She says, "I'm sorry, this fine brown body will be here when you get back." 1942 Cadillac Número 4 www.culturablues.com Página 14 Y quizás Jimmy Reed estuviese viendo pasar uno de estos coches por las calles de New York cuando escribió los siguientes párrafos de Bright Lights, Big City: Bright Lights, Big City, de Jimmy Reed (1961):
You know I warned you baby about the long Cadillacs
Or the big shiny Benz Rolls Royce,
Silver Cloud, baby Men with money, cigarettes, flamingo, scotch, bourbon
Yeah, the bright lights, big city gone to my baby's head
Oh! Bright lights, big city, yeah, gone to my baby's head
I tried to tell you woman, you won't believe a thing that I said Recientemente, una película sobre el productor Leonard Chess y su relación con los músicos que lanzó (y le lanzaron) al estrellato, Cadillac Records, hacía honor a su nombre dibujando a un Leo Chess regalando estos coches a sus músicos en función de sus éxitos.
La verdad es que no era tan generoso y alguna camioneta de segunda mano o un Cadillac usado a buen precio fueron los detalles que tuvieron en la vida real los hermanos Chess con sus músicos.
Uno de los que supuestamente recibió un Cadillac de manos de los Chess fue Ellas McDaniel, más conocido por Bo Diddley,
quien no debió quedar muy satisfecho con el coche, según se refleja en la siguiente canción:
Cadillac, de Bo Diddley (1960) I don't want no Cadillac
One I got, I'm gonna take it back
Come out the house, early in the mornin' Both flat tires, didn't give me no warnin'
Ooh, ooh, Cadillac
Looked in the trunk, there wasn't no jack
You know I'm gonna take this Cadillac back Willie an-a Lillie come a-walkin' up the street Doin' a little wiggle, makin' fun of me
Ooh, ooh, Cadillac
Come to the car but the car wouldn't start Cadillac is breakin' my heart
Got it started, pulled in empty on drive
Keys to believe in natural lies.
(Ooh, ooh) Cadillac Simplemente genial.
La gran variedad de marcas y modelos existentes en el mercado, permitieron que gente, como Bo Diddley, disgustados por alguna mala experiencia con algún automóvil, pudiesen elegir otros coches que no fuesen Ford o Cadillac.
Encontramos, por ejemplo, que Blind Lemon Jefferson tenía un Dodge Brothers (D B) de cuatro cilindros, pero con intención de cambiarlo por un Hudson Super Six, porque el Dodge le quedaba pequeño y, aunque le volvían loco los Packard, estos eran muy caros. Número 4 www.culturablues.com Página 15 Al final, entre un Ford y un Super Six, se quedará con este último, pues es más que suficiente para llevarse a una chica donde quiera:
D B Blues, de Blind Lemon Jefferson (1928)
Who is that coming: hey with a motor so strong
That's Lemon in his D B: people think he's got his girl out on
Going to get out of my four-cylinder Dodge: I want to get me a Super Six
I'm always around the ladies: and I like to have my business fixed
I'm crazy about a Packard: but my baby only rates a Ford
A Packard is too expensive: Ford will take you where you want to go
Come here brownskin: listen to my motor roar
Because my Super Six sufficient: to take you where you want to go
I never did like no horses: I never could stand no steel
Ever since I was old enough to catch a brown: give me the automobile
Memphis Minnie, gran amante de los coches, además del Ford V-8 que nombraba en Me and My Chauffeur Blues, tenía en su garaje otro Hudson Super Six, como el de Blind Lemon, y un Cadillac Eight:
Garage Fire Blues, de Memphis Minnie (1930)
My house on fire: where's that fire wagon now
Ain't but the one thing: I don't want my garage to burn down
I got a Hudson Super Six: I got me a little old Cadillac Eight
I woke up this morning: my Cadillac standing at my back gate
Hop on boys: I got the best chauffeur in town
He said Hudson Super Six: my Cadillac didn't burn down
Oh Lord Lord: wonder where is my chauffeur now
Got my Cadillac Eight: done Cadillaced out of town
I tell the whole round world: I ain't going to walk no more
I got a Cadillac Eight: take me anywhere I want to go Familia de Okies huyendo en un Hudson Super Six Sedán de su Oklahoma natal y de la Dust Bowl que asoló aquellas tierras durante la Gran Depresión, fotograma de la película Las Uvas de la Ira, John Huston, 1940 En la siguiente canción, se nombran otras dos marcas muy importantes en los Estados Unidos: Buick y Chevrolet, ambas, al igual que Cadillac, propiedad de la todopoderosa General Motors.
En este caso, Charley Patton llora lo que el año 1934 ha hecho por él. Número 4 www.culturablues.com Página 16 '34 Blues, de Charley Patton (1934)
I ain't gonna tell nobody, '34 have done for me I ain't gonna tell nobody what, '34 have done for me...
Women and children flaggin' freight trains for rides
Carmen got a little six Buick, big six Chevrolet car
Carmen got a little six Buick, little six Chevrolet car
(spoken: My God, what solid power!)
And it don't do nothin' but, follow behind Holloway's farmer's plow
And it may bring sorrow, Lord, it may bring tears
It may bring sorrow, Lord, and it may bring tears
Oh, Lord, oh, Lord, let me see your brand new year
Y el que es considerado el primer rock ‘n roll de la historia, Rocket 88, no es otra cosa que publicidad de otro coche, el Oldsmobile 88, llamado Rocket 88 y del que Jackie Brenston escribió esta conocida canción.
En un arrebato de originalidad, Jackie cambió la letra de una canción de 1947 llamada Cadillac Boogie, de Jimmy Liggins, sustituyendo el Cadillac por un coche más moderno y actual.
El inesperado éxito de esta canción hizo que, por ejemplo, la compañía Oldsmobile le regalase un Rocket 88 a Jackie Brenston, en agradecimiento por la magnífica publicidad gratuita que le había hecho con la canción.
También permitió que Jackie buscase su sitio con otros músicos cuando, poco a poco, fue desplazado de la banda por una de las coristas que les acompañaban, de nombre Anna Mae Bullock (más conocido por Tina Turner), llegando a tocar junto a gente como Lowell Fulson o Earl Hooker.
Rocket 88, de Jackie Brenston and His Delta Cats (1951)
You may have heard of jalopies,
You heard the noise they make,
Let me introduce you to my Rocket '88.
Yes it's great, just won't wait,
Everybody likes my Rocket '88.
Gals will ride in style,
Movin' all along.
V-8 motor and this modern design,
My convertible top and the gals don't mind Sportin' with me, ridin' all around town for joy.
Blow your horn, Rocket, blow your horn
Step in my Rocket and-don't be late,
We're pullin' out about a half-past-eight.
Goin' on the corner and havin' some fun, Takin' my Rocket on a long, hot run.
Ooh, goin' out, Oozin' and cruisin' and havin' fun
Now that you've ridden in my Rocket '88,
I'll be around every night about eight.
You know it's great, don't be late,
Everybody likes my Rocket '88.
Gals will ride in style,
Movin' all along. Número 4 www.culturablues.com Página 17 Ahora me gustaría hablar de uno de los blues más canallas inspirados en un coche.
Se trata de Terraplane Blues, de Robert Johnson, llamado así por el modelo de coche Hudson Terraplane, un coche barato que hubiese pasado sin pena ni gloria a la historia de la automoción de no ser por el diablo de Hazlehurst: Terraplane Blues, de Robert Johnson (1936)…
Número 4 www.culturablues.com Página 13 I'll make a cool hundred, I ain't got time to stop for gas
I'll make a cool hundred, I ain't got time to stop for gas
I'm gonna drive this automobile, just as long as the gas lasts
Look-it-here man, please check this oil
Look-it here man, please check this oil
Just a long Cadillac, bound to try out your soil
| CONTINUARÁ SÁBADOS DE CULTURA BLUES Y CONCIERTOS A PARTIR DEL 3 DE SEPTIEMBRE PRIMER SÁBADO DE CADA MES EN EL RESTAURANTE & CAFÉ "LOS ALEBRIJES" AV. 5 DE MAYO 82 XOCHIMILCO, CENTRO | Consulta la programación en www.culturablues.com y en facebook |
Semblanzas JAMES COTTON Javier Caneda
jcanedag@gmail.com Hablar de James Cotton es hablar de una de las figuras míticas del blues.
Provisto de una voz cálida y gutural que compagina muy bien con su estilo potente y eficaz con la armónica, dedicó parte de su carrera a tocar en la banda de Muddy Waters y fue capaz de desarrollar una trayectoria en solitario tan singular como brillante que le valió el apodo de "Mr. Superharp".
Fue además una excelente armonicista que desprendía un feeling especial encima de un escenario. James Cotton nació el 1 de julio de 1935 en Tunica, Mississippi.
Era el pequeño de ocho hermanos en una familia que, como tantas otras en aquella época, se ganaba la vida trabajando de sol a sol en los campos de algodón.
Cuando era un niño, su madre le regaló por Navidad una armónica, ya que era algo que le había llamado la atención desde muy pequeño.
El joven James comenzó a imitar los sonidos que escuchaba en la emisora dedicada a la población negra KFFA y sobre todo en el programa diario "King Biscuit Time", presentado por el inolvidable Rice Miller (Sonny Boy Williamson II). Con tan sólo 9 años, sus padres murieron y Cotton decidió abandonar su hogar hacia el sur, a la búsqueda de su ídolo Miller.
Cuando lo encontró, lo siguió en sus peregrinaciones por el sur del país, absorbiendo todas las enseñanzas que Williamson le ofrecía. A principios de los años cincuenta, James decidió probar suerte en la ciudad de Memphis.
Allí tocó con gente tan dispar como Junior Parker, Rufus Thomas o el propio Howlin´ Wolf y con tan sólo 16 años hizo su debut discográfico en Sun Records, el sello de Sam Philips, donde grabó cuatro temas, entre ellos "Hold Me In Your Arms" o el prometedor "Cotton Crop Blues". Número 4 www.culturablues.com Página 19 A mediados de los años cincuenta se mudó a Chicago. Muddy Waters, conocedor de que se encontraba en la ciudad, le pidió que tocara con él en su banda.
Los comienzos no fueron nada buenos, presionado por el estilo muy diferente de sus predecesores (sobre todo del polémico Little Walter) estuvo a punto de abandonar, pero poco a poco fue haciéndose hueco hasta convertirse en el armonicista indiscutible del grupo durante los siguientes 12 años. A mediados de 1966 Cotton era ya un músico muy reconocido en el circuito blues y decidió emprender su carrera en solitario.
En 1967 grabó ya su primer álbum, "Seams Like Yesterday" y se convirtió muy pronto en uno de los favoritos en los festivales y conciertos universitarios.
De esta manera, trabajo no le faltó y grabó abundantemente diverso material para diferentes sellos.
"Cut You Loose!" es probablemente el más destacado de esta época.
A finales de la década se asoció con Verve Records y con ellos grabó tres lp´s: "The James Cotton Blues Band", "Cotton In Your Eyes" y "Pure Cotton".
En los años setenta su estilo se amoldó a los nuevos tiempos y explotó sus habilidades tocando una mezcla muy lograda de blues, soul, rock y funk.
Fue en este tiempo cuando empezó a ser conocido como "Superharp".
En esta época grabó también excelentes discos como "High Energy", "100% Cotton" o el doble en directo "Live And On The Move".
En 1977 volvió a colaborar con su viejo amigo Muddy Waters quien, de la mano de Johnny Winter, publicó ese año el mítico "Hard Again" (ganador del premio Grammy al mejor disco de blues tradicional) y que resucitó el bueno de Muddy de sus cenizas.
A ese trabajo le siguieron 3 más que obtuvieron también una excelente acogida.
A partir de los años ochenta su producción discográfica en solitario siguió en aumento para sellos como Alligator ("High Compresion", "Live From Chicago" y "Harp Attack!" junto a Junior Wells, Carey Bell y Billy Branch), Blind Pig ("Take Me Back"), Antone ("Live" y el imprescindible "Mighty Long Time") o Verve ("Living With The Blues"), la mayoría de ellos de una excelente calidad. Número 4 www.culturablues.com Página 20 Recibe gran cantidad de premios y nominaciones para los Grammy o los Handy Awards y su figura alcanza la categoría de leyenda. Desgraciadamente sus excesos son tan legendarios como su pasado.
En 1994 tuvo que ser operado para extirparle un tumor en la garganta.
A pesar de esto y cuando casi todo el mundo lo daba por jubilado, siguió grabando discos y actuando por todo el mundo.
En 1996 ganó los premios Grammy y Handy Award por "Deep In The Blues", un claro homenaje al maestro de su juventud, Rice Miller.
Cotton todavía sigue en activo y su último trabajo discográfico, "Giant", publicado el pasado año, marca el regreso a su discográfica de los ochenta: Alligator Records. ************************ Consulta el blog:
http://acarondoblues.blogspot.com ********************** Número 4 www.culturablues.com Página 21 Número 4 www.culturablues.com Página 22 El Blues y La Palabra DUST MY BROOM, Sobre dejarla y buscarla. Para Sergio Martín Camacho, porque él sí es un standard del blues. Jesús Martín Camacho jmartincamacho@yahoo.es En una canción, un hombre pretendía volver a casa para confesar a su chica que le había sido infiel; si ella no se encontraba allí, la buscaría donde hiciese falta. A partir de aquí el tópico recorrió varias versiones, entre ellas I believe I’ll make a change, de Pinetop and Lindberg, 1932; Believe I’ll go back home, de Jack Kelly and His South Memphis Jug Band, 1933; Mr. Carl’s Blues, de Carl Rafferty, 1933; o Sagefield Woman Blues y Sissy Man Blues, de Kokomo Arnold, 1934 y 1935, respectivamente (para más información, visiten la página de Jas Obrecht): http://jasobrecht.com/dust-broom-story-song/ Llegó un momento en que Robert Johnson tomó los ingredientes de esta tortilla –sobre todo en las recetas de Kokomo Arnold-, "infidelidad", "volver a casa" y "búsqueda", y los batió de otro modo: ella sería la infiel, él se debatiría entre marcharse a casa, dejándola libre para que maltrate a cualquier otro o buscarla donde quiera que esté y seguir estando a sus pies.
Había nacido I believe I'll dust my broom ("Creo que voy pasar la escoba").
Dicen de Johnson que puso la silla en un rincón del cuarto de hotel que hacía las veces de estudio y que tocó enfrentado a la pared para buscar de un sonido más eléctrico.
Aquí tenemos su versión, grabada el 23/11/1936 para Vocalion: I'm goin' get up in the mornin', I believe I'll dust my broom (x2),
girlfriend, the black man you been lovin', girlfriend, can get my room.
Creo que me voy a levantar esta mañana y pasaré la escoba (x2),
cielo, el negro con quien te has estado acostando, cielo, puede ocupar mi espacio.
I'm gon' write a letter, telephone every town I know(x2),
if I can't find her in West Helena, she must be in East Monroe, I know.
Voy a escribir una carta, a telefonear a todas las ciudades que conozco (x2),
si no puedo encontrarla en West helena, debe de estar en East Monroe, lo sé. Número 4 www.culturablues.com Página 23 I don't want no woman, wants every downtown man she meet (x2),
she's a no good doney, they shouldn't allow her on the street
No quiero a ninguna mujer que quiera a cada hombre que se encuentre en la ciudad (x2),
esa no es una buena mujer, no deberían permitirle pisar la calle.
I believe, I believe I'll go back home (x2),
you can mistreat me here, babe, but you can't when I go home.
Creo, creo que volveré a casa (x2),
puedes maltratarme aquí, nena, pero no cuando vuelva a casa.
And I'm gettin' up in the mornin', I believe I'll dust my broom(x2),
girlfriend, the black man you been lovin', girlfriend, can get my room.
Creo que me voy a levantar esta mañana y pasaré la escoba (x2),
cielo, el negro con quien te has estado acostando, cielo, puede ocupar mi espacio.
I'm gonna call up Chiney, see is my good girl over there (x2),
if I can't find her on Philippine's island, she must be in Ethiopia somewhere.
Voy a llamar a China, ver si mi novia está por allí (x2),
si no la encuentro en Filipinas, debe de estar en algún lugar de Etiopía. Sin embargo, a pesar de la fama y leyenda de Robert Johnson, la canción entró a formar parte de la historia del blues como una de las más versionadas gracias a la adaptación de Elmore James y, sobre todo, a su riff de slide inicial, quizá el más reconocible de toda la historia de este género.
Su título se redujo a Dust my broom ("Pasar la escoba") y fue grabado el 5/8/1951 para el sello Trumpet, acompañado de Sonny Boy Williamson II a la armónica, Odie Johnson al bajo y Frock O'Dell a la batería.
Pongan a todo volumen sus altavoces y no se nieguen el cosquilleo interior: I'm gettin' up soon in the mornin', I believe I'll dust my broom (x2),
I quit the best girl I'm lovin', now, my friends, can get my room.
Voy a levantarme por la mañana temprano, creo que pasaré la escoba (x2),
Abandonaré a la mejor chica que he amado, ya, amigos, podéis ocupar mi espacio.
I'm gonna write a letter, telephone every town I know (x2),
If I don't find her in Mississippi, she be in East Monroe, I know.
Voy a escribir una carta, telefonearé a cada ciudad que conozco (x2),
si no la encuentro en Misisipí, estará en East Monroe, seguro. Número 4 www.culturablues.com Página 24 And I don't want no woman, wants every downtown man she meets (x2),
man, she's not a good doney, they shouldn't allow her on the street, yeah.
No quiero ninguna mujer que quiera cada hombre que se encuentre por la calle,
Tio, no es una buena mujer, no deberían permitirle pisar la calle, no.
I believe, I believe my time ain't long (x2),
I ain't gonna leave my baby
and break up my happy home.
Creo, creo que mi tiempo se ha acabado (x2),
no voy a dejar a mi chica ni romper mi hogar feliz. Pero Elmore James no sólo introdujo el riff, sino una última estrofa que terminó de retratar al pobre engañado como un hombre de obsesivo interior, atenazado por sus sentimientos, enganchado a a una mujer por ellos: tras debatir entre largarse cuanto antes (maravillosa la expresión metafórica y sexual "dust my broom", literalmente, "pasar la escoba", para referirse a huir y abandonar a alguien) y reconocer su derrota ante la mejor -irónico- mujer que ha podido y podrá encontrar y dejar el camino libre para otros (juguemos ahora a la ambivalencia con "room" como espacio que uno ocupa y como "dormitorio") o buscarla por donde sea; tras esto y tras gritar a enjambre pleno que no es una buena mujer (el término doney es absolutamente peyorativo), ¿cuál es su decisión final?
Pues no decidirse por nada, seguir como estaba para no romper su dulce hogar. Derrotado antes de batallar. ¿No recuerda a la historia del My Babe –ver Cultura Blues, Nº 3- de Little Walter? Y Elmore James también quedó atrapado, no por una mujer sino por esta canción, que grabó varias veces más (tal cual o con diversos nombres), a la que sacó remedos tan burdos como Dust my blues (Trumpet, 1955), y que convirtió en marca de la casa.
Incluso bautizó a su banda como The Broomdusters.
El éxito le dio las alas para volar a Chicago con su guitarra eléctrica (se dice que fue él quien la había introducido en el Delta allá por 1945), y tocarla de manera ansiosa, furiosa, más que amplificada hasta su distorsión; impulsor del poder que tendría el instrumento en el blues de los cincuenta. Número 4 www.culturablues.com Página 25 Energía de voz de falsete, se recuerda una versión en directo de treinta minutos del Shake your moneymaker donde no había pista de baile sino sólo baile.
El muchacho de los trabajos del campo y las juke-joint que se quedó fascinado con unos guitarristas hawaianos se convirtió y autoproclamó "El rey de la guitarra slide".
Lo siento Elmore, me caes mal por guapo, por vanidoso, por no (sí, lo siento, es mi opinión) haber superado tu éxito inicial, por acomodarte en tu genialidad.
Pero peor me cae el destino por darte una naturaleza frágil, por arrebatarte de un infarto cuando podrías haber y habernos hecho evolucionar mucho más, por no darnos más Dust my-lo-que-sea.
Eso sí, gracias, gracias por el inicio de Dust my broom.
Todo perdonado. ********************** Consulta: www.elbluesylapalabra.blogspot.com ********************** Blues en Radio e Internet Por
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Alfredo "Freddy" Reyes areyes_p@hotmail.com Tranvía a La Luna (Inside Looking Out) En pasadas entregas les he comentado algo acerca del entorno que allá por los ya lejanos años setenteros nos tenía copados en este hermoso lugar llamado Xochimilco, del cual siempre me he sentido un poco extranjero naturalizado a pesar de haber nacido en una vieja vecindad del barrio de San Pedro de la cual no conservo ningún recuerdo ya que a los pocos meses de haber sido arrojado al mundo nos mudamos a un cuartito en la calle de Pino , que sobra decir que era (aún hoy sigue siendo) la única calle para salir del centro de Xochimilco y la cual parece que nunca terminarán de remodelar.
Por alguna razón que sólo los ilustres políticos de aquella época saben, el palacio de gobierno situado en el centro de la demarcación, comenzó a ser demolido y las oficinas de gobierno fueron repartidas en diversos edificios y construcciones circundantes, la oficina de el delegado se situó en un edificio eternamente azul de la misma calle de Pino en donde existía una farmacia en la planta baja, local que hoy es ocupado por una pizzería y fue en ese mismo edificio en donde tuve mi primer contacto real con lo que hoy se ha dado en llamar la "clase política".
De este encuentro les narraré una anécdota, resulta que debido a la profesión de mi padre y al no ser tan abundantes los fotógrafos profesionales en aquellos tiempos un buen día fue llamado para tomar el registro a dos bustitos de bronce que representaban a los dos indígenas a los que se debe la escritura y traducción del "Libellum de medicinalibus indorum herbis" también conocido como "Códice de la Cruz-Badiano" o libro herbolario azteca (que pésima traducción), estos indígenas se llamaban Juan Badiano y Martín de la Cruz y sus cabecitas hoy se encuentran en la rotonda de los Xochimilcas notables, aunque aún hoy no me aclaro el porqué del tamaño de los bustitos, tal pareciera que su manufactura fue encargada a un escultor Jíbaro reductor de cabezas o algo así, lamentablemente para ellos fueron víctimas de la discriminación natural con la que siempre hemos sido vistos (aún a la fecha) todos los que vivimos o procedemos de tierras Xochimilcas. Número 4 www.culturablues.com Página 27 Mi afición al rock se incrementaba día con día y no era para menos, por aquellos años escuché lo que sería mi primer álbum grabado en vivo, no omito agradecer a mi hermano mayor el haberme servido de guía y conducirme cual mancebo a perder la doncellez de mis ya no tan castos oídos, se trataba del álbum "Grand Funk Live" y fue una experiencia alucinante escuchar no sólo a una de las mejores bandas que ha existido sino poder escuchar el diálogo que Mark Farner sostenía con su público, los gritos de júbilo de los espectadores, la estridencia de su música, en fin, que casi se podía "oler" el concierto y no era para menos, el olor a mota no se le quitaba a mi hermano de la ropa ni lavándola con todo y él dentro, esto para mí fue todo un viajesote que marcaría mis tendencias rockeras para siempre.
Rolas inmortales como "Mean Mistreater", "Inside Looking Out" de la cual debo confesar que me sirvió de guía en mis incipientes pasos por el mundo de la armónica; escuchar el juego perverso que entablaban la guitarra de Mark Farner contra el bajo poderoso de Mel Schacher y la batería sonando como una potente locomotora en manos de Don Brewer, en verdad, en verdad os digo: A-l-u-c-i-n-a-n-t-e!
A partir de entonces ya nada sería lo mismo, ¿Escuchar grupos en estudio? –No gracias, ¿No tendrá algún disco "en vivo" de tal o cual grupo? pedía con aire de profundo conocedor al que no siempre se le podían cumplir sus caprichitos, tenía que conformarme con el disco "en estudio" ya que pocos grupos eran los que se animaban a grabar en vivo dadas las dificultades técnicas de la época, amén de que, de muchos grupos que me gustaban, justamente ése que queríamos, era el primer disco que grababan.
¿¿Cómo demonios íbamos a saberlo??
No cabe duda de que la ignorancia no respeta edades, afortunadamente esa enfermedad (hablo de la ignorancia) también la padecía el dependiente de aquella solitaria tiendita de discos que se ubicaba a un costado del cine Xochimilco al cual acudíamos cada vez que lográbamos juntar lo suficiente para pagar nuestra entrada a la "permanencia voluntaria" y siempre cuidándonos de no pisar alguna rata-guardiana del lugar
¿Cómo olvidar las funciones corridas que ofrecían al ritmo de hasta tres películas por el mismo precio?
¿Cómo no recordar películas como "Nacidos Para Perder", "Hell Angels" y hasta la aburridísima "Easy Rider"?
Cintas que dejarían una huella profunda en mi tierno cerebrito y que muchos años después tendrían consecuencias que me marcarían la vida de una manera en extremo gratificante (eso será parte de otra historia, por hoy se las debo). Número 4 www.culturablues.com Página 28 Corría el año de 1972 y de repente nuestro entorno comenzó a cambiar a la par que nosotros tiernos pubertos en ciernes, de la noche a la mañana nuestro Palacio de Gobierno ya no estaba y en su lugar comenzaron a construir los cimientos apenas de lo que muchos años después sería el Foro Cultural Quetzalcóatl, una obra que quedó inconclusa durante varios años debido a que el subterráneo de la misma se inundaba, convirtiendo aquel fantasma en un suplicio para los ingenieros y el presupuesto delegacional.
El tranvía siempre fue la manera de hacerle trampa al presupuesto familiar ya que por lo que cobraba podíamos viajar mi hermano y yo, y ahorrarnos parte del pasaje que nos daban para ir al centro o a Churubusco e inclusive nos alcanzaba para darnos algún lujito de vez en cuando como el de bajarnos del tranvía para comprar algún pan dulce de la Pastelería La Luna que se ubicaba muy cerca de la glorieta de Huipulco, con su Emiliano Zapata al centro y su eterna Cafetería "El Naranjito" a un costado de la misma.
El tranvía como referente obligado, también fue nuestra cápsula del tiempo, nuestra Apolo XIII región 4, que nos sirvió para, desde sus ventanas con forma de guillotina, poder ser testigos sorprendidos del desarrollo de nuestra ciudad, una ciudad que se nos fue abriendo al mismo ritmo que se nos encogían los pantalones.
La ciudad, nuestra ciudad, comenzó a transformarse, poco a poco se fueron poblando las verdes extensiones de lo que fue el rancho de Coapa o el rancho Olmedo que cada vez se fue haciendo más y más pequeño hasta que la voraz mancha urbana se lo comió con todo y sus cientos de vacas limpias y blanquísimas que al cruzar por la avenida, mostrando orgullosas sus aretes de plástico color naranja, podían detener el tránsito por varios minutos cual si se tratara de una locomotora de carne y leche. Ya mi correctora de estilo (gracias Ermi) me llamó la atención por mezclar tantos personajes y lugares en un solo texto y le prometí hacerle un poco de caso (sólo un Número 4 www.culturablues.com Página 29 poco) así que no extenderé mis recuerdos tanto, sólo les puedo comentar como colofón que en la escena del rock nacional comenzaba a escucharse por el barrio de Santa Crucita, en el baile que tradicionalmente se celebra el 3 de Mayo, a una banda que se convirtió en ícono del rock hecho en México, y no puedo estar hablando más que del Three Souls in my Mind con sus rolas aguardentosas y llenas de críticas al sistema, rolitas como "Oye Cantinero" "Yo Canto el Blues" o "La Chava de Avándaro" hicieron las delicias de la banda Santa Crucera en aquellas tocadas callejeras gratuitas que inevitablemente y para no perder la religiosidad del día, terminaban a madrazos contra los osados de otro barrio que se hubieren atrevido a acudir a tan selecta festividad. Bibliografía y Links http://www.youtube.com/watch?v=0x6chChxzV0&feature=BFa&list=PLEEE6A473BCF6E70E&index=32
http://www.youtube.com/watch?v=2bKkOEZR53E
http://www.skyscrapercity.com/showthread.php?t=708874&page=9
http://www.panoramio.com/photo/14153236 Glosario Mariguanos
"Quemarle las patas al chamuco".- Coloquialmente fumarse un "porro" o cigarrillo de marihuana. .- Adictos a fumar marihuana, Mota.- Coloquial Marihuana, Cannabis Índica Razzias.- Redadas "Julias"
principio del siglo XX para las redadas y cuya propietaria al parecer se llamaba Julia y era vecina del rumbo de Tacuba. .- Coloquialmente se le llamaba a las camionetas policiales encargadas de las redadas, de origen incierto el término al parecer proviene de la primer camioneta que se utilizó en el D.F. a Chirona.- Coloquial Cárcel, Prisión. Xochimilco.- Delegación Política en el D.F., México y cuyo significado es "En la Sementera de Flores" Tugurios.- Lugar de mala muerte, de corte casi clandestino para libar o consumir bebidas embriagantes. Loncherías.- Comúnmente así se les llamaba a los merenderos o lugares para "lonchear" y consumir bebidas embriagantes. Pulquerías.- Expendio de Pulque, lugar donde se vende y consume esta bebida fermentada del aguamiel que se extrae del maguey. Chamaco.- Coloquial. Niño, Patojo, Chavo, Chamo. Groovie.- Pesado, se utilizaba para referirse a tendencias no convencionales. "Gruesos".- Llamábase así a los jóvenes de tendencia Hippie. Patchulli.- Perfume elaborado con base en la planta del mismo nombre, de origen Indú. Avándaro.- Municipio del mismo nombre en el Estado de México, su nombre saltó a la fama a raíz del "Festival de Rock y Ruedas" de 1971. "Chayote".- Coloquialmente se le llamaba al soborno tendiente a controlar la opinión de ciertos medios informativos. "Hoyos Fonkys".- Lugares semi-clandestinos en donde se refugiaron los grupos de rock como consecuencia de la prohibición oficialista de celebrar conciertos o reuniones juveniles en la década de los 70´s. Número 4 www.culturablues.com Página 30 Tiempo de Blues… de ayer y hoy Raúl de la Rosa
senderosblues@hotmail.com ¿Feria Internacional de la Música en Guadalajara? NOTA PUBLICADA EN LA JORNADA EL 24 DE JUNIO DE 2011 Primera llamada La convocatoria de la Universidad de Guadalajara para participar en la primera Feria Internacional de la Música (FIM) con el equipo que organiza la del Libro (FIL) y el Festival Internacional de Cine de Guadalajara era garante del nivel que se esperaba de esta feria, la cual se celebró en la capital jalisciense del 16 al 19 de junio, con actividades que fueron desde talleres de creación musical hasta conferencias sobre gestión cultural contemporánea, así como temas del interés de promotores, managers y productores de espectáculos y festivales de música entre otros.
El intercambio de ideas con profesionales de estas áreas eran platillos apetitosos para todo aquel que se dedique a estos menesteres que giran alrededor de la música, de la gran industria del entretenimiento, que en varios países se ha convertido en fuente importante de empleo y significativa aportación al producto interno bruto.
Fue una feria que se quedó con pocos haberes y lejos estuvo de ser internacional, más bien fue muy local: la mayoría eran grupos de Guadalajara y el rock predominó sobre otros géneros musicales.
Poco a poco se fue desdibujando el principal propósito de la FIM.
La conferencia Gestión cultural contemporánea contó con panelistas de ligas mayores: María Cristina García, coordinadora ejecutiva del Auditorio Nacional, uno de los recintos más importantes del país y de Latinoamérica; Raúl Padilla, indiscutible promotor de ambiciosos programas que han colocado a la capital jalisciense como sede de importantes ferias y festivales, como los mencionados al principio, y nuestro bien recordado Ramiro Osorio, importante promotor cultural, gestor de destacados festivales, entre otros el Cervantino (2001-2006), y ministro de Cultura de Colombia.
¿Llevaban propuestas para democratizar el uso de estos foros tan importantes? Número 4 www.culturablues.com Página 31 No, tan sólo hicieron un recuento de los logros que han realizado durante sus gestiones, como el posicionamiento de la FIL en el ámbito internacional, datos y cifras, aunque en una feria de la música. ¿Qué tenía que ver la industria editorial con la FIM?
Más de hora y media escuchando sobre cuántas funciones y cuántos millones de asistentes habían tenido. Me hubiera gustado tener un folleto con todo lo referente al impresionante Centro Cultural Universitario, el que una vez concluido será sin duda uno de los más importantes del mundo. Segunda llamada La FIM, que convocó a operadores y directores de empresas que manejan buena parte de estos mercados (conciertos internacionales, espectáculos de artes escénicas, etcétera), contó con una sección dedicada a las disqueras llamadas independientes, pero, ¿qué se ha hecho en más de 30 años para apoyar a estas pequeñas empresas que un buen día decidieron no seguir con los lineamientos de los sellos trasnacionales en cuanto a géneros, contenidos, estilos y repertorios; que apostaron a difundir lo que a las grandes compañías no les interesa, pues veían pocas posibilidades de hacer negocio con esos grupos y en esos géneros populares? ¿Se han propuesto foros para apoyar a artistas, grupos y disqueras independientes y a ese otro público que con tanto ahínco buscan las secretarías de Cultura?
Los funcionarios de la cultura en este país no tienen ni la más remota idea de qué es eso.
De no ser por esos sellos autogestivos, de organismos como el Instituto Nacional de Antropología e Historia y de algunos otros estatales, gran parte del patrimonio musical de este país se habría perdido, así de sencillo. Las grandes disqueras trasnacionales tienen sus intereses y su mercado bien definidos. ¿Cómo han logrado sobrevivir más de tres décadas estas –cada vez menos– pequeñas empresas, y cómo apoyarlas, no sólo con recetas de mercado y de incorporación a las nuevas tecnologías, que para muchos es casi la única alternativa?
De la música tradicional, 90 por ciento son producciones independientes y sus autores venden sus discos en sus presentaciones, son miles los que no se venderían en las tiendas. Cada día son menos y, por supuesto, tienen que adaptarse a las nuevas tecnologías y mercadotecnias más ingeniosas, pero, ¿qué hacer? Tercera llamada Se habla mucho de captar nuevas audiencias, pero éstas están vigentes en sus propios entornos y son mayoría, muchos más que esos 10 millones de asistentes que tanto ponderaron los directores de esos foros, pues de éstos tan sólo una tercera parte, alrededor de 3 millones, son el público regular que asiste a las salas de conciertos, con poder adquisitivo para asistir a dichos Número 4 www.culturablues.com Página 32 conciertos y pagar boletos que van de 30 dólares para arriba. O, en el caso editorial, ¿cuántos pueden comprar un libro?
En todo el territorio nacional todos los días, en grandes poblaciones o en comunidades pequeñas, hay fiestas cívicas y religiosas, bailes, ferias, fiestas familiares, como bodas y cumpleaños, etcétera.
En fin, la cultura popular está vigente, pero existen criterios que determinan gran parte de los gustos y consumos, y ahí aparecen las televisoras, duopolio que marca e impone qué artistas y géneros se promocionarán y, por supuesto, venderán más discos.
Si se quiere que este proyecto continúe y sirva realmente para el desarrollo de la música y sus creadores, y captar ese otro público, tienen que girar 180 grados y ver para otro lado.
Sabemos que la educación musical se inicia en la niñez, y para este sector no había propuestas, ningún grupo o artista enfocado al público infantil; dieron por hecho que lo más relevante de la cultura musical de éste país es el rock.
Según criterios de los jóvenes músicos que asistieron (pocos por cierto), ocho de cada 10 quieren ser
Lo internacional, salvo Alan Parsons, estuvo casi ausente; el criterio con que se seleccionaron los grupos fue el rock y el pop del ámbito musical de Guadalajara.
La pluralidad debe ser norma para la próxima feria y realmente una propuesta que cambie el paradigma de estos encuentros; hay que ser audaces, no hay de otra.
Algo lamentable fue la presentación de un grupo llamado Mariachi Rock O, que fusiona la instrumentación del mariachi con canciones de pop y rock, interpreta
Hay ejemplos alrededor del mundo que servirían para estructurar la próxima FIM.
Por ejemplo, la próxima semana se inicia un festival que en su primera edición, en 1980, tuvo 12 mil asistentes; 10 años después asistió un millón, y para este 2011 se esperan alrededor de 2 millones.
Sí, leyó usted bien, 2 millones; este encuentro es el de Jazz, en Montreal.
Tiene talleres, simposios, laudería, campamentos para jovencitos de 13 a 17 años para formar una banda de blues y 350 conciertos al aire libre.
La feria en Guadalajara es de otra índole, pero se les puede aprender algo. Al tanto.rockstars, aunque no lo confiesen. Dos ámbitos principales fueron sede de la mayoría de las actividades: las instalaciones de Expo Guadalajara y el teatro Diana, así como pequeños bares en los que algunos grupos se presentaban. covers, la mayoría en inglés, y un ballet entre folclórico y contemporáneo, cuyos integrantes bailan heavy metal de Mago de Oz con calzones de manta y faldas de colores. ¿Qué necesidad? Número 4 www.culturablues.com Página 33 Huella Azul María Luisa Méndez mlmendez2001@hotmail.com BREVE ENTREVISTA CON… EDUARDO "LALO" CABAÑAS Eduardo Cabañas, vocalista y guitarrista de la banda de rock blues regiomontana T44 Blues Band. P: ¿Desde cuándo y por qué la decisión de ser músico? R: Desde niño siempre me gustó la música. P: ¿Qué fue lo que te encauzó a tocar blues? R: Desde que empecé a tocar, siempre improvisaba en cualquier "cover" que interpretábamos, pocas veces lo tocaba igual. P: ¿Cómo describirías brevemente tu trayectoria como músico? R: Me ha dado satisfacciones y he conocido a mucha gente, así como también me ha alcanzado para abrir conciertos a bandas de fama mundial. "Lalo comenzó su carrera musical con un grupo muy fuerte de sonido: Quo Vadiz, del norte del país por ahí del año 1967-68.
Siempre tocó con grupos de mucha energía, muy fuertes… eran los pesados y no por las rolas, sino porque eran chavos de buen tocar.
Al término de Quo Vadiz se cambió a La Tribu que era una banda tan fuerte como Bandido, recordamos que estas agrupaciones se resaltaban por los metales con rolas propias y covers de Chicago o Blood Sweet and Tears." Número 4 www.culturablues.com Página 34 P: ¿Desde cuándo y cómo es que te integras a T44 Blues Band? R: T44 se formó hace ocho años; sin embargo, César Tiberio (baterista) y yo nos juntábamos con un grupo de amigos músicos, de carne asada y cheve, ahí empezó todo desde hace 20 años. P: ¿Cuáles son cinco de tus composiciones que más te agradan y que nos recomiendes escuchar? R: Breathe the time, What am I doing, What I loose,Well well well y Holiday blues P: ¿Cuál es la rola que más te emociona tocar? R: Well well well la original y el cover Stormy monday. P: ¿Cuál es el mejor momento que te ha hecho sentir realizado como músico? R: Cada tocada es el mejor momento, como es el blues, cada tocada suena diferente porque es puro sentimiento. P: Tuve la oportunidad de verlos en el cierre del Pozos Blues 2011, en el pasado mes de junio, podrías comentarnos ¿Cómo te sentiste en esa tocada, al ver el entusiasmo y la cantidad de asistentes durante el festival y particularmente en su participación? R: El pueblo es mágico, igual que su gente, nos gustó mucho todo, por ejemplo la organización, las bandas tocaron muy bien y el público se comportó excelente, desde la primera banda hasta la última se entregó al público. Mis respetos para el público, ya que gracias a ellos, se hace que cuando estás tocando des todo y más. ¡¡¡Caray, queremos volver, invítenos de nuevo para el año que entra!!! Número 4 www.culturablues.com Página 35 P: ¿Cuáles son las próximas presentaciones de T44 Blues Band? R: Vamos a Saltillo y tenemos varias tocadas en Monterrey. Posiblemente vayamos a Texas en el mes de octubre. P: ¿Quisieras compartir una experiencia y algún comentario para nuestros lectores de Cultura Blues. La Revista Electrónica y en general para la comunidad bluesera? R: Primero felicitarlos por la revista y decirles que estamos a sus órdenes en Monterrey, saludo a todas las bandas bluseras y a toda la raza. Te deseamos las mejores de las suertes y felicidades por tener la facultad de expresar todo tu sentimiento a los seguidores del blues y el rock, a través de tu voz y guitarra de excelente calidad. R: Gracias por este último comentario, igualmente les deseo lo mejor y que sigan creyendo en el blues. Portada del cd Holiday Blues En plena actuación en el Pozos Blues 2011 Número 4 www.culturablues.com Página 36 1er. ENCUENTRO DE BLUES EN PUEBLA. 21 de agosto de 2011 José Luis García Fernández INTRO En una mañana soleada de domingo se inició mi recorrido por un poco más de 120 kilómetros, (dos horitas aproximadamente), que separan la ciudad de México con la bella ciudad de Puebla, sede de este primer encuentro de blues con bandas de la escena local.
Afortunadamente llegué puntual a la cita, y es que debo comentar que en este México de hoy, en todos los caminos llámese avenidas y carreteras, ya es impredecible el tiempo que se hace en recorrer distancias, cualquiera que esta sea.
Pasada la una de la tarde abrió sus puertas el precioso recinto sede del evento, el Teatro del Complejo Cultural Universitario de la Benemérita Universidad Autónoma de Puebla.
La banda que iniciaría, daba los últimos toques a la prueba de sonido. CONFORT SUREÑO Blues & Rock Band En punto de la 1:30 hrs. inició con muchos bríos esta agrupación novel compuesta por una combinación interesante de dos jóvenes y dos experimentados músicos.
Confort Sureño es una banda formada apenas en el 2009, que interpreta temas clásicos, algunos contemporáneos y otros originales.
Sus integrantes: Edith Brindis (voz), Octavio Paredes (guitarra, teclados, saxofón), Carlos Nava (batería) y Jonathan López (bajo), marcaron la pauta con buen ritmo y prestancia, aunque tal vez se notaron un poco nerviosos, en particular los jóvenes (Edith y Jonathan), pero fueron rápidamente corregidos por los maestros, aunque Octavio fue quién lució en cada uno de los instrumentos que tocó.
López, entre cantos, rasgueos y punteos de su instrumento, se dio tiempo para promocionar el espacio de difusión que tiene en la red: www.elperroazul.com Número 4 www.culturablues.com Página 37 EL PALOMAZO Aunque no necesariamente obligado, cómo "alguien" por ahí trata de imponer, pero se dio la oportunidad de un palomazo, que una pareja de músicos poblanos, ella cantante y bajista, y él, guitarrista, subieron al escenario junto a Carlos Nava bataco de la anterior banda para interpretar de buena forma una clásica del repertorio de la "Bruja cósmica", Janis Joplin: Move over. HIKURI Rock & Blues A continuación se presentó una banda con excelente presencia escénica, buen sonido y muchos fans que al parecer los siguen fervientes a sus tocadas, tal vez por su ya larga trayectoria de más de nueve años en donde pretenden crear un concepto basado en el blues.
Sin embargo a mi parecer es un grupo que maneja un estilo ecléctico, un poco de blues, un poco de rock psicodélico y un mucho de rock latino que se remarca con las machacantes percusiones, tal vez un poco excesivas, a lo largo de todas las rolas de su presentación.
Buenas canciones originales y también buenos covers fue el repertorio que presentaron para la ocasión.
Pero eligieron una rola clásica del blues mexicano en español para cerrar su actuación y fue entonces cuando entendí el estilo, el nombre de la banda y muchas cosas más:
Hikuri se presentó con: Adolfo Ortiz, bajo y voz; Ludwig Ortiz, guitarra y voz; Oswaldo Platas, batería; Adolfo Leiva, percusiones; Esmeralda Guillén, voz –la revelación de la tarde- y Nino Haaz –muy buen manejo de los matices-(armónica). Azul de José Cruz y Real de Catorce. BLUES WALKERS Es un trío explosivo inclinado hacia los estilos de Chicago y Texas, con más de once años de formación en el que han publicado dos discos: The Blues Walkers en el 2000 y Deep Down Blues en el 2005.
La temperatura subió en el teatro durante su actuación, que culminó entre aplausos y reconocimiento a sus interpretaciones. Número 4 www.culturablues.com Página 38 Para el cierre, una rola de Jimi Hendrix: Red House, que prendió aún más a los asistentes, que por momentos les respondió de manera desconcertante ante los constantes brindis de los músicos que olvidaron por un instante que era una tarde familiar, en un recinto universitario, con un público deseoso de escuchar buena música, buen rock & blues y no de discursos válidos en cualquier noche en el bar.
Pero este lapsus pasó casi desapercibido por la mayoría, porque estoy seguro que todos nos sentimos satisfechos por la parte musical de la banda: René Bustillos, guitarra; Hugo Ayub, batería y Alan Salazar, bajo. EN LOS CAMERINOS Un rápido paseo tras bambalinas y por los camerinos, para saludar a los buenos amigos: David y Martin, conocer a otros más, intercambiar libro, discos e impresiones, hasta incluso confirmar la próxima visita de la Serpiente Elástica a la Ciudad de México para uno de los sábados de Cultura Blues.
Justo ahí en uno de los pasillos Roberto Prieto y Alfonso Soto guitarristas, practicaban algunas líneas para la actuación de esa tarde. CUARTO BLANCO Classic Rock & Blues Band Banda de blues y rock clásico formada desde hace 19 años, con una amplia trayectoria y reconocimiento que se nota de inmediato en su actuación.
Una agrupación de buenas hechuras que aprovechan de excelente manera la experiencia que da el tocar cada semana en algún lugar, con muy respetables arreglos en todas y cada una de sus interpretaciones a memorables covers.
Jesús Romero en la guitarra, Gilberto Cabrera en el bajo, (por tercera vez en la tarde) Carlos Nava en la batería, y Violeta Castillo en la voz, conforman la alineación de esta singular banda poblana. Número 4 www.culturablues.com Página 39 SERPIENTE ELÁSTICA Y llegó el momento estelar de la tarde, la actuación de la Serpiente Elástica, banda que ofrece composiciones propias en español a través de su principal canal de expresión: el blues. David Pedraza, guitarra y voz; Martín Pérez Páiz, armónica y tabla de lavar; Gabriel Licea, batería; Alfonso Soto, guitarra; Rodrigo Espinoza, bajo; músico invitado: Roberto Prieto, guitarra –impresionante y humilde participación, de lo mejor del encuentro–.
Las rolas de la Serpiente, de inmediato levantaron al máximo el ánimo del público que abarrotó el pulcro recinto universitario, y que agradeció con sus fuertes aplausos, gritos y apoyo sin igual el esfuerzo ofrecido por los anfitriones, no sólo por su correcta participación musical, sino por ser dignos difusores de este género base de la música popular contemporánea.
Rolas originales de sus discos fueron el principal ingrediente de su actuación, finamente retocada con tintes de excelentes interpretaciones a un par de covers y por supuesto la memorable actuación de Roberto Prieto que interpretó con su guitarra y voz: Have you ever loved a woman. El tiempo se consumió tan rápido, que seguramente todos nos quedamos con ganas de más, pero bueno casi cuatro horas de buena música, se dieron en este encuentro de músicos locales en Puebla. Felicidades a todos los participantes y hasta el próximo encuentro!!!!!!!!!! Número 4 www.culturablues.com Página 40 Cultura afroestadounidense y sociedad Eleuterios xita71@hotmail.com Cómo es que a esa chica judía y blanca, Amy Winehouse, la llaman "Reina del soul" cuando esta música surgió de la tradición negra estadounidense de música sacra representada por los spirituals y el góspel, a través de cuartetos y quintetos negros polifónicos que cultivaban tanto repertorio sacro como secular. Hasta donde sé la verdadera reina del soul no ha muerto, Aretha Franklin, como para que le dieran su título a esa chica britano-judía que acaba de fallecer.
Los judíos tienen una larga tradición de explotar la música negra de Estados Unidos: desde Al Jolson (Joelson) que se pintaba la cara de negro al estilo minstrel estadounidense en su película "The Jazz Singer"; George Gershwin, compositor de música clásica con mucha influencia de la de los negros; Leiber y Stoller compositores de rolas como "Hound dog" y "Kansas city"; Robert Allen Zimmerman "Bob Dylan", que se nutrió tanto de la música country del blanco como de la negra, por ejemplo del blues; o los hermanos Chess dueños de Chess Records, la legendaria marca de discos de Chicago que regentearon a estrellas negras del blues como Muddy Waters, Bo Diddley y Chuck Berry, estos dos últimos más asociados ya con el rock and roll.
Definitivamente podría haber más de una reina del soul pero negras, como Aretha Franklin o Diana Ross de las Supremes, del sonido Motown que copiaba la Winehouse, o Mary Jane Blige que es pionera del resurgimiento del soul, y no la judía británica.
Reyes del soul pueden serlo varios, unos vivos y otros muertos, como Ray Charles, Sam Cooke, James Brown (padre del "Funk Soul"), Otis Redding, Ben E. King, Percy Sledge, Sly and the Family Stone.
Así pues, no sólo rockanroleros de Estados Unidos como Elvis Presley o Pat Boone, que según tengo entendido no eran judíos, y los grupos blancos pop de la "invasión británica", han hecho carrera apropiándose la música afroestadounidense, sino también muchos judíos como Amy Winehouse.
Creo que al considerar a la Winehouse como "Reina del soul" definitivamente hay un trasfondo racista que no ha dejado de existir ni en Estados Unidos ni en el mundo occidental, el mismo que llevó a los blancos en los años cincuentas a etiquetar como rock and roll a la variedad de géneros del rhythm and blues, etiquetar al funk soul como "música disco" en los setentas, convertir la cultura hip hop en "culturas pop" de los ochentas, noventas y de la actualidad, todo para poder apropiárselas y sacarles provecho económico. Número 4 www.culturablues.com Página 41 Del Weekly Review Marco Antonio García Hernández antonio_garcia1971@hotmail.com He tenido el gran privilegio de tener muchísimos héroes musicales a quienes admiro profundamente, la alegría de escuchar su obra y poder compartirla desde esta columna que es mi foro de expresión, y el enorme honor de tener historias que contar: Juan Lara me deja en pleno ensayo usar sus pedales, Rodrigo Cantú me hace tocar las percusiones a su lado. Las charlas interminables con Reyes, con Iván Tamez, con Vilchez. Haber incluso cantado con Chava Flowers quien por cierto creó una canción sobre mi bar. La llamada telefónica con Héctor Zárate; los intercambios de correspondencia con Ana Díaz, con Pepe Hernández. Las borracheras con tantos y tantos más. La invitación de José Luis García para colaborar en su revista. Todos ustedes músicos mexicanos hacen que escucharlos sea un orgullo y una bendición. Gracias. HÉCTOR ZÁRATE TRÍO (HZT)
De alguna manera hay que comenzar y que mejor que explicar que esto es una obra de amor. Desde el arranque con "Emilio" que es una canción de cuna vuelta toda una revolución. Pasa por "Habanografía" que quizá me causa un poco de conflicto pues la eufonía del título me remite a una isla cercana al país y resulta que no tiene nada que ver pues el sonido a mis oídos se acerca más a algo progresivo; a primera oída pues la guitarra luego me remite a Silvio Rodríguez; un agasajo de sonidos y métrica. "Pintor" es magia en la manera de ser muy suaves mientras exploran con las posibilidades que les dan los tiempos que toman para cada nota, es bellísima e interminable.
"Dalera" me hace añorar un encuentro entre esta banda y Rodrigo Cantú, sería un agasajo. Sin duda un cd imprescindible en cualquiera que aprecie la música.
GIGUR (Fin del tiempo)
Traigo una polémica enorme conmigo mismo. Hay veces que escucho este cd y pienso que es progresivo; lo vuelvo a escuchar y encuentro demasiado jazz disfrazado de no sé qué cosa; otras ando con poca atención y me despiertan los guitarrazos. Lo que puedo decir en conjunto es que es un amasijo de música preciosamente conjuntada y que tiene pasajes muy espectaculares de muy diversos estilos. Por ejemplo "Bebiendo de la crátera" son muchos sonidos y la coherencia la guitarra que entra un poquito después; o "Cráter" que por su manejo de sonidos se me hace un relato sobre el paso del tiempo. Y qué decir de la base rítmica que hizo de este una obra hermosa. Un grupo hecho y derecho. Sigue seguir viviendo. TPPEHH se complace en anunciar la mejor fiesta del año con una celebración atemporal pues no existe una razón más que la necesidad de ver a mis amigos de tan diversos lugares y oficios bajo el mismo techo o bajo el mismo cielo dependiendo donde nos acomodemos. Será una noche solemne, espectacular, bella, emocionante, de echar relajo y de disfrutarnos como amigos. Ya hay voluntarios para la cena, ya hay voluntarios para la cerveza, hay un voluntario para viajar varios kilómetros y yo voy de voluntario de llave y limpieza del lugar. Y todos estaremos juntos pues nunca la vida debe separarnos tanto tiempo. Nos vemos en pocas horas. TPPE Número 4 www.culturablues.com Página 42 Número 4 www.culturablues.com Página 43 SUPLEMENTO ESPECIAL 101 GRANDES CANCIONES DE BLUES EN ESPAÑOL Parte I Idea original: Luis Eduardo Alcántara y José Luis García Fernández;
colaborador en esta primera parte: Héctor González Martínez.
Foto: "La Venus se va de juerga" de Nacho López Desde hace tiempo existe una interesante controversia en el pequeño mundo del blues de los países de habla hispana, referente a cómo debe ser abordado líricamente el género en esas tierras alejadas de su lugar de origen.
Y en ese sentido las bandas y músicos solistas han tomado decisiones particulares en cuanto a la propuesta a presentar.
Unos, los puristas que gustan de los clásicos, hacen un blues apegado a lo ya hecho, pocas veces se aventuran a ciertos arreglos que se alejen de la idea inicial y por eso las interpretan en el idioma original, aunque en muchas de las ocasiones el inglés de sus vocalistas sea limitado a eso, a la pura interpretación, sin la necesidad de entender ellos mismos lo que cantan. Número 4 www.culturablues.com Página 44 Otras bandas combinan a los clásicos con versiones originales pero también en inglés, y por tanto su contacto con el público hispanoparlante es de cierta manera limitado a lo musical.
Algunas más las combinan y se aventuran en sus composiciones a expresarse en español y encuentran así en alguna parte del público cierta rigidez, pero muchos otros logran entender mejor lo que proyectan en sus composiciones.
Las menos de ellas, tienen su repertorio completo en español y por tanto su forma de expresarse explora mayores temáticas que las básicas y muy clásicas.
También hay el caso de los que han optado por lo instrumental. Pero por el momento no son materia de este ensayo.
La selección que hemos hecho, no pretende mostrar cuales son mejores que otras por el orden que se presentan, o que sean propiamente las mejores, y mucho menos menosprecian a otras que no aparecen en la lista, sólo es una muestra de las diferentes formas y estilos de expresión lírica que hemos encontrado en material que forma parte de nuestras colecciones particulares, en grabaciones de vinyl, en casete o en disco compacto.
Mucho de este material cabe señalar son productos independientes que han tenido una discreta distribución, uno que otro es comercial, y por ello este ejercicio se hace más valioso.
Letras de amor, desamor, de protesta, de propuesta, de lo cotidiano, con poesía, sin ella, libres, etc. es lo que se encontrará en este trabajo, complementado con algunos datos importantes, ciertas explicaciones y razones particulares del porque las hemos considerado.
Por último aclaremos que ninguna de las opciones que han tomado las bandas desde nuestro punto de vista es mejor que otro, simplemente creemos que son diferentes formas de expresión, esto es música, es arte y en este sentido no hay algo mejor o peor, no hay ni debe de haber regla, lo que sí, se puede decir muy claramente es que te gusta o no. Y eso debe ser digno de respeto. Recordemos que a través de los tiempos y en muchas disciplinas por ejemplo en el arte y la ciencia, aquellos que se han atrevido a hacer algo diferente a los demás, son los que han trascendido. Vayamos pues juntos, a disfrutar por este camino de las 101 grandes canciones de blues en español… Número 4 www.culturablues.com Página 45 1 Canción: Azul Autor: José Cruz/Real de Catorce Disco
José Cruz Camargo Zurita = músico, poeta, compositor, fundador y líder de una de las mejores bandas de blues de todos los tiempos en México: Real de Catorce. Una fórmula que funcionó un poco más de 21 años de 1985 a 2006. Dejando como legado 9 discos con una serie de rolas de blues con fusión de rock, jazz, soul, entre otros géneros; pero con unas canciones que salen de lo común por manejar cierta temática muy especial y una profundidad en sus conceptos.
Azul una canción de su primer álbum de 1987, es una clara muestra de la gran diferencia que marcó desde su aparición, en relación a otras bandas. Casi es como un himno, que vive hasta nuestros días.
Aún cuando José Cruz creó una buena cantidad de rolas para la banda Real de Catorce, y actualmente para sus discos como solista, Azul tal vez sea la más conocida, reconocida y una de las más ampliamente disfrutables. Una canción que describe el alma del blues con amor y dolor. Por tanto tiene el honor de encabezar esta particular selección de canciones. : Real de Catorce (1987) Azul... azul
y en sus ojos refleja un hilillo de luz
su vestido perlado de noche
el cigarro encendido en un beso carnal
una copa de vino
una lágrima rota
que rueda al final.
oh uoh oh uoh uoh oh oh
Azul... azul
una música lenta y azul
recargada en la tibia quimera
despidiendo un anhelo que va en autobús
un rasguño en la media
navegando la espera
la viuda del blues.
oh uoh oh uoh uoh oh oh
Azul... azul
y una voz que entristece al cantar
reteniendo en su lecho las sombras
esas sombras que besan y luego se van
una fotografía
una línea en la mano
que quiere borrar.
oh uoh oh uoh uoh oh oh Número 4 www.culturablues.com Página 46 Azul... azul
una voz que entristece al cantar
reteniendo en su lecho las sombras
esas sombras que besan y luego se van
una fotografía
una línea en la mano
que quiere borrar.
oh uoh oh uoh uoh oh oh 2 Canción: Oye Cantinero Autor: Alex Lora/Three Souls in my Mind Disco
José Alejandro Lora Serna, Ernesto de León y Carlos Hauptvogel grabaron este disco que resultó ser el tercero de la legendaria banda, pero el primero con canciones en español.
¡¡¡Y qué canciones!!!
Alex comenzó con estos discos y con sus rolas en español, una larga carrera en el rock nacional (de más de 40 años), con su banda actual
Pero regresando a las canciones, Oye cantinero es una de éstas que incluye en el repertorio de sus conciertos, aunque con algunas variantes en los arreglos y en la letra.
Yo me quedo con la versión original que incluye un requinto inolvidable del maestro Ernesto de León, una armónica sencilla pero precisa a un ritmo netamente bluesero del bajo de Lora y la bataca de Charly.
La letra es un interesante diálogo con cierto sarcasmo que marcó el rumbo del estilo de Lora. : Three Souls in my Mind 3 <Oye Cantinero> (1972) El Tri sigue produciendo discos. Oye cantinero, sírveme otra copa por favor, quiero estar borracho, hoy quiero sentirme de lo peor. Quiero tomar mucho, quiero tomar mucho para olvidar. Oye cantinero, no te hagas del rogar, yo sé lo que quiero y me quiero emborrachar. Pues la mujer que quiero con otro se fue a bailar. Oígame señor yo a usted nada le puedo servir, ¿porqué? este manicomio no tiene servicio de bar, ¡ah! Y no soy cantinero soy el loquero de este hospital. Número 4 www.culturablues.com Página 47 3 Canción: A mí que no me cuenten Autor: Guillermo Briseño Disco
El maestro Briseño es un gran compositor, pianista, guitarrista, cantante y poeta, director actual de la escuela de música "
Se puede decir que es uno de los pocos estudiosos, por muchos años de la lírica de blues en español, alguna vez lo comentaba a la entrada del Teatro de la Ciudad previo a una clase magistral del afamado pianista de jazz: Chic Corea.
Aquí en esta canción de amor muestra un pequeño gran ejemplo de la combinación de su instrumento principal, el piano, con la estupenda letra, además del arreglo fabuloso de coros que la hace de por sí una excelente canción. : Sangre Azul (2003) Del Rock a la Palabra" en la ciudad de México. A mí que no me cuenten, que el amor se terminó,
A mí que no me cuenten, que el amor se terminó,
No sé cómo lo sienten, pero a mí ya me creció.
No sé si un amor grande, se tendría que presumir,
No sé si un amor grande, no! se tendría que presumir,
Sólo sé que ya no cabe, y te quiero prevenir.
Ábreme la puerta, no me digas que no estás,
Ábreme la puerta, no me digas que no estás,
Aliviáname la pena, porque ya no puedo más.
No sé si un amor grande, se tendría que presumir,
No sé si un amor grande, no! se tendría que presumir,
Sólo sé que ya no cabe, y te quiero prevenir.
Me crecen nuevos ojos, para contemplar, y diez nuevos pulmones para suspirar,
Me crecen nuevas bocas para pronunciar los miles de razones, que me inclinan a pensar.
A mí que no me cuenten, que el amor se terminó,
(
A mí que no me cuenten, que el amor se terminó,
(
No sé cómo lo sienten, pero a mí ya me creció.
(
Ábreme la puerta, no me digas que no estás,
(Ábreme… ábreme)
Ábreme la puerta, no me digas que no estás,
(Ábreme… ábreme)
Aliviáname la pena, porque ya no puedo más. Aliviáname la pena, porque ya no puedo más. No me cuenten… no, no, no) No me cuenten… no, no, no) No me cuenten… no, no, no) Número 4 www.culturablues.com Página 48 4 Canción: Te puedes ir Autor: Alberto Blanco/Betsy Pecanins Disco
Una gran canción de un buen disco es esta rola de Betsy, que retomó el camino del blues, después de haber incursionado en otros géneros por algún tiempo.
Acompañada siempre con una banda de excelentes músicos: Jorge García Montemayor en la guitarra acústica y Jorge García Ledesma en la armónica marcan la pauta de esta consigna al amor que se ha ido.
Los arreglos incluyen nada más y nada menos que a Mónica del Águila en el cello, Felipe Souza en la guitarra eléctrica, Vico Gutiérrez en los teclados, con la base rítmica de Alfonso Rosas en el bajo, Montse Revah, percusiones y Juan Carlos Novelo, batería. : Blues en el alma (2006) Te puedes ir siguiendo tu destino,
Te puedes ir a recorrer,
Esas calles cerradas del olvido,
Pero no puedes dejarme de querer.
Te puedes ir con tus amigos
Te puedes ir a buscar a otra mujer,
Te puedes ir si quieres al infierno,
Pero no puedes dejarme de querer.
Puedes ir adonde quieras,
Pero con la promesa de volver.
Toma tu tiempo, la vida es así,
Que yo estaré esperando, aquí.
Toma tu tiempo, la vida es así,
Que yo estaré esperando, por ti.
Te puedes ir por donde viniste,
Y regresar conmigo otra vez,
Puedes andar también otros caminos,
Pero no puedes dejarme de querer.
Te puedes ir quedando callado,
Puedes decir que soy tu mujer,
Puedes decir que somos lo que quieras,
Pero no puedes dejarme de querer.
Puedes ir tan lejos como quieras,
Pero con la promesa de volver.
Toma tu tiempo, la vida es así,
Que yo estaré esperando, aquí.
Toma tu tiempo, la vida es así,
Que yo estaré esperando, por ti.
Toma tu tiempo, la vida es así,
Que yo estaré esperando, aquí.
Toma tu tiempo, la vida es así,
Toma tu tiempo, la vida es así,
Toma tu tiempo, la vida es así,
Que yo estaré esperando, aquí…
por ti. Número 4 www.culturablues.com Página 49 5 Canción: Solapas Autor: Follaje Disco:
Esta melodía resulta interesante por dos razones fundamentales: en primer lugar, por el uso de la armónica cromática -tal vez la mejor interpretación que haya hecho un elemento mexicano, en este caso Jorge García Ledesma- y después, por el contrapunto que realiza este pequeño instrumento con el bajo (ejecutado por Adrián Núñez "El Oso").
Porque en Solapas únicamente se escuchan bajo y armónica, además de la suave voz de Jorge fraseando una letra intimista pero cautivante.
Esta pieza nos recuerda un poco el juego experimental hecho por John Mayall en el álbum USA Union, en donde efectuó algunos duetos parecidos con Larry Taylor; mientras que la temática desarrollada por Follaje en las letras, ciertamente bañadas por una oscura luz, se encierran guiños de Driftin’ Blues, el clásico de Charles Brown grabado en los años cincuenta. Préstame Atención. Volumen uno (1995) Encerrado en mí mismo, como cualquier loco de atar,
Encerrado en mí mismo, como cualquier loco de atar,
Porque no tengo a nadie, quien se ocupe de mí.
Si mi nena me pidiera regresar
Si mi nena me pidiera regresar
Muchas cosas cambiarían
Para quedarme en su querer
Esto es lo que tengo, qué otra cosa puedo hacer
Esto es lo que tengo, qué otra cosa puedo hacer
Casi todo es bonito, si es que siento tu piel
Encerrado en mí mismo, como cualquier loco de atar
Encerrado en mí mismo, Como cualquier loco de atar
Porque no tengo a nadie, quien se ocupe de mi. Número 4 www.culturablues.com Página 50 6 Canción: Seguro de vida Autor: Horacio Reni Disco:
Uno de los grandes clásicos de todos los tiempos, Take Out Some Insurance, de Jesse Stone, fue redimensionada por Horacio Reni, dando por resultado una emocionante canción en donde el doble sentido juega un papel importante.
En México, hablar de Horacio Reni es referirse a uno de los pioneros de la época del rocanrol (su militancia en el grupo de Los Sinners, lo atestigua) pero también a uno de los primeros difusores del blues.
Una leyenda urbana asegura que mientras Javier Bátiz le daba lecciones privadas a Carlos Santana de cómo pulsar la lira, Reni promovía antes que nadie el uso de las armónicas Marine Band en sus presentaciones como solista, en las que también desfilaban covers de Jimmy Reed.
Y es que Reni personifica todos los ideales que un bluesman puede aspirar, es un buen cantante, toca el slide y la guitarra magníficamente, además es armoniquero y compositor de canciones muy efectivas.
Nada le hace falta (inclusive ciertas vivencias escabrosas también forman parte de su experiencia vital).
Seguro de Vida es uno de los mejores temas escritos por Reni y cantados por Alejandro Lora, melodía que se enriquece con el fino requinto de Sergio Mancera, "El Cóndor", cuando vivía sus mejores momentos. Otra tocada más. El Tri (1988) Yo voy a quererte, siempre hasta el final,
pero por cualquier cosa que nos pueda pasar,
te debes de asegurar.
Saca un seguro de vida a mi nombre,
saca un seguro de vida mi nombre,
pues si de pronto me dices adiós,
vas a partir mi corazón en dos.
No me saques un seguro de enfermedad,
porque estoy sano como un león,
y si quieres probar lo que te digo yo,
te invito a un encerrón.
Siempre voy a amarte, siempre y siempre más,
pero por cualquier cosa que nos pueda pasar,
me debes de asegurar.
Saca un seguro de vida a mi nombre,
saca un seguro de vida mi nombre,
pues si de pronto me dices adiós,
vas a partir mi corazón en dos.
No me saques un seguro de enfermedad,
porque estoy sano como un león,
y si quieres probar lo que te digo yo,
te invito a un encerrón. Número 4 www.culturablues.com Página 51 Yo voy a quererte, siempre y siempre más,
pero por cualquier cosa que llegara a pasar,
me debes de asegurar.
Saca un seguro de vida a mi nombre,
saca un seguro de vida mi nombre,
pues si de pronto me dices adiós,
vas a partir mi corazón en dos.
Pues si de pronto me dices adiós,
vas a partir mi corazón en dos. 7 Canción: Apaga la luz Autor: Juan Hernández Reyes Disco:
Se trata de uno de los grandes himnos del repertorio de Juan Hernández Reyes.
Al principio, comienza siendo una especie de boogie muy bronco que poco a poco va creciendo hasta explotar en Boom Boom, Out Goes The Lights (famosa pieza grabada por Little Walter Jacobs), pero con una modificación al español hecha por Mister Blues.
Cuando esta grabación salió a la luz, a finales de los años ochenta, grabar un disco de blues en México era casi como realizar un acto heroico.
No existían apoyos de ninguna especia, por ello las producciones independientes comenzaron a vivir un gran auge.
Juan venía precedido de cierta fama por haber grabado un disco con Three Souls, después de la salida de Alex Lora.
Sin embargo, su gran calidad como guitarrista y compositor, pronto le dieron a Juan Hernández el lugar que se merece dentro del medio rocanrolero, y así, su banda de blues comenzó paulatinamente a ser indispensable en las tocadas y en los hoyos funkies de la zona metropolitana. En Vivo en El Museo del Chopo. Juan Hernández y su Banda de Blues. Número 4 www.culturablues.com Página 52 Esta primer versión de Apaga la luz, nos presenta a dos músicos de primer orden: Víctor Camacho en la armónica, y Arturo Medina en el bajo (hoy, guitarrista líder de La Rambla).
Actualmente, Juan Hernández sigue recurriendo a esta canción para provocar la catarsis en esa enorme legión de admiradores que siguen acompañándolo en los conciertos. No quiero verte jamás,
quiero que hoy te vayas de aquí
Vete pronto y al salir,
boom boom apaga la luz.
Cuando tú llegaste a mí,
creí que la luz entraba en mí
Todo fue imaginación,
boom boom apaga la luz.
Fingiste un gran amor,
sólo me diste un gran dolor
En tinieblas estaba yo,
boom boom apaga la luz.
Ahora no me importas más,
puedes largarte a otro lugar
Sé bien cuál es la verdad,
boom boom apaga la luz. 8 Canción: Mi alma está triste Autor: Hot Jam Disco:
Por muchos años Hot Jam fue una de las bandas más completas de los años noventa.
Su estilo moderno y agresivo resultaba ideal para levantar el ánimo en las tocadas y festivales capitalinos, aunque la mayor parte de su repertorio estaba conformado por covers; sin embargo, también se daba tiempo para incluir piezas originales bastante aceptables.
Una de ellas es Mi alma está triste, incluida en el tricassette de colección: Blues acá de este lado.
Se trata de una melodía rítmica, un poco funkie, en donde todos los instrumentos lucen poderosos e integrados: guitarras, saxofón, batería y bajo.
Destaca especialmente el requinto, fiero y desenvuelto. Hot Jam también cuidaba mucho de presentar buenos vocalistas, algo un poco raro dentro del paisaje blusero mexicano.
En esta rola el protagonista se lamenta de haberle entregado su amor sin condiciones a una chica quien, a final de cuentas, solamente aprovechó de la situación, burlándose de él. Blues Acá de Este Lado. Volumen 3 Número 4 www.culturablues.com Página 53 El sol está brillando, por la tarde mi amor,
Pero no brilla, en mi corazón,
Será porque te fuiste, sin decir adiós.
Ahora no tengo, razón de vivir,
Haciéndome nena, muy infeliz,
Así como llegaste, desapareces de mí.
Mi alma está triste, sólo me acuerdo de ti,
Mi alma está triste, porque te fuiste de mí,
Así como llegaste, desapareces de mí.
Mi alma está triste, sólo me acuerdo de ti,
Mi alma está triste, porque te fuiste de mí,
Así como llegaste, desapareces de mí…
Así como llegaste, desapareces de mí…
Así como llegaste, desapareces de mí. 9 Canción: Lección de vida Autor: José Cruz Disco:
Con la entrega de la Medalla al Mérito en Ejecución Musical, otorgada el 19 de agosto de 2009 por la Asamblea Legislativa del D.F. y con su nuevo material discográfico titulado "LECCIÓN DE VIDA" se escribió un capítulo más en la historia musical del virtuoso músico y compositor José Cruz.
Esta medalla fue otorgada a José por su aportación a la cultura en general y su contribución al blues en castellano y a la poesía.
Basta ahora disfrutar la letra de la canción de su disco homónimo y por supuesto al escucharla, el magistral manejo en los arreglos instrumentales del maestro y sus buenos músicos que le acompañan. Lección de Vida (2009) Si la muerte se arrepiente de arrojarme a un cajón,
tocaré un par de blueses antes que se apague el sol,
Una extraña enfermedad se alojó en mi habitación.
Mis amigos verdaderos me han traído de comer,
me dejaron una vela y unas plumas de un halcón,
Un peyote me protege de la trampa y la traición.
Los chamanes me enseñaron la visión al interior,
me dijeron que el desierto se camina con valor,
que el guerrero llega lejos, aunque sea con bastón.
Si la muerte se arrepiente de arrojarme a un cajón,
tocaré un par de blueses antes que se apague el sol,
Una extraña enfermedad se alojó en mi habitación.
Un saludo a mis amigos de banqueta y callejón:
los poetas del abismo, los rupestres del amor,
Tomen mi lección de vida y también mi corazón. Número 4 www.culturablues.com Página 54 10 Canción: Eres tú sólo blues Autor: Armando Tavares/Arturo Medina Disco:
Una nota del crítico musical Carlos Olivares del diario La Razón:
Brevemente comentó de la canción homónima en cuestión: "Eres tú sólo blues" los apuntes del sax generan una atmósfera soul/rhythm & blues de enérgica ejecución".
Una primera versión fue grabada por Alce Blues, banda que le antecedió a La Rambla formada por dos integrantes de ésta: Arturo y Rafa, más Víctor Camacho en la armónica y Javier Pimentel en la batería, poco después otra versión "
La versión del disco de casi 8 minutos, curiosamente sin armónica, resultó finamente interpretada por Arturo (guitarra principal y voz), Rafa (bajo), Héctor (batería), Gil (guitarra), José Luis (piano), además de Richard (sax). Eres tú sólo blues. La Rambla (2009) La Rambla cotidiana del blues mexicano, apuntaba ya cosas buenas de esta producción a la que le otorgó el nombramiento de disco de la semana: escribía "Estamos en presencia de un grupo que con afecto edifica un blues renovado desde los diques del compromiso con la música. Propuesta que descansa en la firme idea de ofrecer, a quienes siguen el blues, un mensaje ciento por ciento mexicano". de antología" según Mario Compañet fue interpretada para su programa El Blues Inmortal en el auditorio de Radio UNAM, con Rodolfo Cruz a la armónica. Me he dado cuenta, de lo que eres para mí,
Me he dado cuenta, de lo que eres para mí,
Que no eres cualquier cosa,
pues no sería nada sin ti.
Porque alejas tú mis penas, y me haces razonar,
Porque alejas tú mis penas, y me haces razonar,
Por la forma en que te expresas,
tú me haces analizar… yeh… yeh.
Las cosas tristes de la vida, que tenemos que aguantar,
Las cosas tristes de la vida, que tenemos que aguantar,
Es algo difícil,
que debemos soportar.
Me he dado cuenta, de lo que eres para mí,
Me he dado cuenta, de lo que eres para mí,
Que no eres cualquier cosa,
Eres tú… sólo blues. Número 4 www.culturablues.com Página 55 11 Canción: Sólo me queda el blues Autor: Jesús Cárdenas/Cárdenas Blues Band Disco:
Es una de las piezas mejor acabadas producto del ingenio de cualquier banda local pero, por desgracia, cuya duración como grupo fue muy breve.
El líder, Jesús Cárdenas, era un guitarrista y cantante michoacano quien hizo una escala en Tlalnepantla para integrar una súper agrupación compuesta, entre otros, por Emilio Franco "El Gato Callejero" en el requinto y Macedonio "Nonis" Ruiz en la armónica.
La canción narra la angustia de un hombre que ha vivido toda clase de experiencias, sin embargo, todavía tiene las ganas para enfrentar otras más -sin importar el límite de las consecuencias- pues siempre le acompaña el espíritu del blues.
La voz de Jesús se escucha fuerte y modulada, el requinto del Gato es limpio aunque ligeramente distorsionado, y la armónica del Nonis es sencillamente espectacular, repetimos, de lo mejor que hayan grabado músicos aztecas, para ese entonces, mundialmente desconocidos. Blues Acá de Este Lado. Volumen 1 Ya no puedo más, ya sólo me queda el blues
Tengo que gritar, para que lo escuches tú
Tengo que gritarlo, no lo puedo soportar.
Tengo que decir, todo lo que siento sí
No puedo encontrar, la manera de expresar mi yo
Pues mucho he vivido, pero aún me falta más.
No puedo seguir, no puedo seguir así
Tengo que avanzar, tengo que avanzar aún más
Tengo que saber lo que hay ahí.
No puedo quedarme, no puedo quedarme no
No puedo quedarme, pensándolo nomás
Hoy tengo que llegar, hoy tengo que llegar a mi final.
Ya no puedo más, ya sólo me queda el blues
Hoy debo llegar a dónde te encuentras tú
Hoy debo llegar… esa es mi solución.Número 4 www.culturablues.com Página 56 12 Canción: El revolucionario Autor: Ernesto de León Rodríguez Disco:
Los arpegios, escalas y riffs que se escuchan en el comienzo de esta pieza, con un impresionante dominio de la técnica, los pudo haber grabado el mejor guitarrista de blues de cualquier parte del mundo.
Lo peculiar del asunto es que lo hizo Ernesto de León, una de nuestras leyendas mexicanas más queridas de siempre.
La rítmica de EL Revolucionario, en definitiva, se escucha influenciada por Voodo Child de Jimi Hendrix, pero en la letra (por lo menos en la versión grabada por los Blues Boys, que aquí retomamos) se remarca la protesta que hace un hombre explotado duramente por el sistema capitalista.
Se infiere que sus ideales se encauzan para estar siempre comprometido con las causas de los pobres.
Esta pieza debería ser una muestra representativa del rock y del blues sicodélico, en su estado más puro; además, se comprueba el espíritu todavía rebelde que transpiraba Ernesto después de salir de Three Souls in my Mind, en el año de 1978. Blues Boys. La nueva era. No encuentro, el cariño de un amor verdadero,
Mi vida, es errante como la vida de un gitano,
Mi suerte, es tan negra como la suerte de un esclavo,
La gente, me maldice cuando subo al escenario.
El sistema, quisiera tenerme siempre enajenado,
Mi dinero, se lo reparten todos los mercenarios,
Mi amigo, siempre ha sido un pobre ex presidiario
Mi causa, es la causa de un revolucionario. ************************************* PRODUCCIONES Presente en la Semana de Blues de la Universidad Pedagógica Nacional ¡¡¡ M U Y P R O N T O !!! ************************************* Número 4 www.culturablues.com Página 57 13 Canción: Tengo una razón Autor: Luciano Hidalgo Disco:
Conocido también como Lucky Luciano o el Vampiro de Tacuba, Luciano Hidalgo es la reencarnación actual de los juglares de antaño, los songsters románticos que poseían un repertorio suficiente para hechizar a su auditorio, gracias a un cúmulo impresionante de historias y a finos rasgueos de lira.
Luciano es espléndido en el plano eléctrico, pero brilla todavía más en el aspecto semi acústico, magnificado apenas por una pastilla disimulada.
Además, como compositor y generador de crónicas, Luciano es notabilísimo.
Acompañado por su actual grupo Blues 40, nos presenta Tengo una razón, una especie de declaración de principios en donde explica las razones que le orillaron a ser un empecinado amante del blues, mientras que el fondo musical es sencillamente fantasmagórico, gracias a un slide quejumbroso y a las aportaciones de gente como Macedonio Ruiz, en la armónica. Hambre de Blues Me dicen vago, no me preocupa la vida
Me dicen briago, cualquier trago me da igual
Sólo me gusta escuchar blues, y a nadie le hago mal
Sólo me gusta tocar blues, y a nadie le hago mal.
Ando sin rumbo, como barco sin timón
No tengo credo, solamente creo en mí
Me encantan los placeres, sí,
Nunca me puedo reprimir
Me encantan los placeres, sí,
Nunca me quiero reprimir.
Yo siempre apuesto, y no me importa perder
A veces gano, nada parece suceder
La vida suele ser así, no lo podemos entender
La vida suele ser así, no lo podemos entender.
Gozo un buen trago, también una buena cena
Disfruto un blues, tanto como un buen sueñito
Me encanta una rica hembrita, siempre que me deje hacer
Me encanta una rica hembrita, siempre que me deje hacer.
No creo que importe, pero tengo una razón
Nada es seguro, a excepción de nuestro fin
Por tanto nada es tan serio, para ser tomado así
Por tanto nada es tan serio, para ser tomado así. Número 4 www.culturablues.com Página 58 14 Canción: Hongo blues Autor: Manuel Castillo Alvarado "El Forajido" Disco:
Las crónicas urbanas a ritmo de blues que escribe e interpreta Manuel Castillo Alvarado
Son audaces, picantes, gozosas y entrañables. También son inteligentes.
Detrás de su aparente simplicidad gandallesca, se esconde la aguda mirada de un estudioso de la antropología social, de un especialista del folclore del asfalto.
Como ocurría con los bluseros de antaño,
Sus producciones son de carácter independiente, sin olvidar algunas brillantes intervenciones que realizó para el programa Ciudad Violenta , El Forajido, poseen toda clase de elementos atractivos. El Forajido –todo un insigne maestro ceceachero- gusta de acompañarse únicamente con su guitarra acústica y su voz dolorosa, aunque a veces acepta una segunda lira o una armónica. El Blues Inmortal de Radio Universidad, y también para Radio Educación. Hongo Blues es un hilarante epitafio a doce compases, en donde se narra el tránsito de un hombre hacia la eternidad, después de atascarse salvajemente en Puente de Fierro con el dios champiñón. Mochilas al hombro. De la sierra mazateca me bajé el champiñón
Y en Teotitlán del camino que me dan el atorón
Llevaba kilos de derrumbes, pajaritos, san isidros y hasta un son.
En Huautla de Jiménez se quedó todo mi amor
Fue la noche de un jueves que una morra me llegó
La morra era artesana, sólo me quería para dar el rol.
En Puente de Fierro ella me desafanó
Yo me eché unos aguardientes, me cae que aquello me dolió
Esa noche viajé en hongos y por poco que me da el pasón.
Aquella noche supe que me iba a morir
El hongo echó mi suerte, como un brujo dentro de mí
Me di unos toques por mi muerte, y de todos me despedí.
Quiero seguir cantado sin que lo sepas tú
Quiero seguir cantando aunque ya no brille más mi luz
Quiero seguir cantado, quiero seguir cantando este blues.
De la sierra mazateca me bajé el champiñón
Cuando estaba preso en la celda, aún andaba en el avión
De aquí no me saca nadie, si no es para el panteón. Número 4 www.culturablues.com Página 59 La noche que me morí no hubo llanto ni dolor
Mi muerte fue un misterio, no la pudo explicar ningún doctor
Mi tumba en el cementerio nunca recibió ninguna flor.
Desde entonces soy un espíritu que vaga por doquier
Donde quiera que haya droga, sexo, rock ahí me verás aparecer
Soy el espíritu del hongo, y les voy a dar poder
Quiero seguir cantando aunque sea dentro de mi ataúd
Quiero seguir cantando aunque ya no brille más mi luz
Quiero seguir cantando, quiero seguir cantando este blues. 15 Canción: Encrucijada Autor: Alejandro Rosas/Vuelo Libre Disco:
Otra de las piezas redondas del blues mexicano.
La angustia de saberse solo frente al mundo y de no saber elegir el mejor camino en momentos decisivos, son los argumentos de esta emotiva rola cantada por Alejandro Rosas, baterista y fundador de Vuelo Libre, uno de los grupos más añejos y respetados de nuestro ambiente.
Todo parece indicar que la pieza se enriquece con la armónica experimentada de Isidoro Negrete, tal vez en una de sus mejores aportaciones.
El tema de encontrarse extraviado a media noche, en un solitario cruce de caminos, es algo tan antiguo como el blues mismo.
Robert Johnson lo popularizó, sin embargo, cualquiera de nosotros estamos expuestos a padecerlo en el momento menos imaginado.
A final de cuentas, la canción de Vuelo Libre es un grito urgente en busca de ayuda (y si es femenina, mejor) Vuelo Libre ¡¡¡Buen blues!!! Número 4 www.culturablues.com Página 60 Camino a media noche, en medio de la oscuridad
A donde quiera que volteo, no reconozco ese lugar
Es una encrucijada, de la que no puedo salir
Necesito ayuda, no sé a dónde debo ir.
Camino solitario, no sé a dónde debo ir
Hay cuatro caminos, no sé cuál debo seguir
Si sabes el camino, no tardes en venir
Es que estoy perdido, no sé a dónde debo ir.
Ya mero amanece, el sol ya va a salir
Y miles de problemas no me dejarán vivir
Mucho he caminado, y no puedo encontrar
Cuál es el camino que mi Dios me señaló.
El sol ya mero sale, a ver si con su luz
Me indica el camino para olvidar mi blues
Si sabes el camino, no tardes en venir
Necesito ayuda para sobrevivir
Necesito ayuda para sobrevivir… 16 Canción: Ya te lo he dicho nena Autor: Emilio Franco "El Gato Callejero" Disco
Es una escondida joyita musical, de esas que rara vez se dan en muchos años.
Aquí Emilio Franco, el Gato Callejero, ofrece una lección de cómo se debe tocar el
Es un
Si algo caracterizó la breve pero intensa carrera del Gato Callejero como compositor y guitarrista, fue el estudio profundo que hizo de las raíces del blues; por eso siempre sabía lo que tocaba, de ahí la pureza que escuchamos en su sonido, profundo y actual.
En
También encontramos aquí guiños que van de Son House a Hound Dog Taylor.
Todo un coctel explosivo. : Auténticas Rolas Urbanas slide eléctrico, en una pieza que rebosa tradición por todos lados. down home hechizante, acuñado en el mero Tlalnepantla, en el que también se escucha la delirante armónica de Macedonio Ruiz, el bajo de Manuel López y la batería de Marco Antonio Uribe (qepd). Ya te lo he dicho nena –con una rítmica basada en Rollin’ and Tumbling- confluyen diversas influencias en un torbellino sónico que desata tanto el baile como la catarsis. Número 4 www.culturablues.com Página 61 Ya te lo he dicho nena, y te lo vuelvo a repetir
Ya te lo he dicho nena, y te lo vuelvo a repetir
No sé cómo pudiste, enamorarte de mí.
Ya te lo he dicho nena, que me gusta mucho el alcohol
Ya te lo he dicho nena, que a punto he estado de ir a prisión
No sé cómo pudiste, querer a un tipo como yo.
Tú eres niña fresa, no te has querido perder
Tú eres muy decente, no te has querido perder
Un día si te animas, allá enfrente hay un hotel. 17 Canción: El blues de la mala suerte Autor: Three Souls in my Mind Disco
Si en otro tiempo Albert King popularizó
Por un lado, el
La ronca voz de Alejandro Lora, y el acompañamiento discreto pero efectivo de Charlie Hauptvogel en la batería, redondean una de las canciones finísimas dentro del panorama blusero mexicano.
A simple vista, la estructura se basa en
Esta última alineación de Three Souls, comentada líneas arriba, se recuerda como una de las más espectaculares jamás armadas por cualquier grupo nacional de rhythm and blues (algo parecido a
La letra, por último, es bastante sencilla, únicamente ocho líneas, pero el mensaje es directo y encarna a la perfección con el sentimiento de abandono que está ligado con el blues. : La Devaluación (No hay quinto malo) (1975) Nacido bajo un mal signo, el grupo mexicano Three Souls in my Mind reinterpretó la idea en El Blues de la Mala Suerte, una melodía grabada en 1978 y que pertenece al disco La Devaluación. Tiene la peculiaridad del manejo estupendo de las dos guitarras. slide melancólico de Sergio Mancera, y por el otro, el efecto de wha wha empleado por Ernesto de León, quien le añade un tono sicodélico a la melodía. Rollin’ and Tumbling, sin embargo, sus orígenes se remontan mucho tiempo atrás, posiblemente en Drink of Cool Water blues, de Tommy Johnson. The Teardrops, en los tiempos de Magic Slim y John Primer). Número 4 www.culturablues.com Página 62 No sé si tengo mil problemas, o si tengo un millón.
No sé si tengo mil problemas, o si tengo un millón.
Yo sólo sé que mis problemas…
No tienen solución.
La mala suerte me persigue, desde el día en que nací.
La mala suerte me persigue, desde el día en que nací.
Nena, si tú ya no me quieres…
No sé qué va a ser de mí. 18 Canción: Si pudieras ver mi mente Autor: Alfonso Robledo/Los Mind Lagunas Disco:
Estamos en presencia de uno de los binomios musicales más productivos de nuestro medio: Emiliano Juárez en la guitarra y Alfonso Robledo, en el bajo.
Ellos encabezan el grupo de los Mind Lagunas, aunque su larga trayectoria –a pesar de su temprana edad- se extiende a otras importantes agrupaciones, como aquel recordado
En solitario, Emiliano Juárez es con bastante probabilidad, la carta mexicana más importante en el extranjero. Su fina guitarra se ha escuchado en las principales metrópolis europeas, y como músico de acompañamiento, ha sido telonero de gente de la talla de Buddy Guy.
La razón de su impresionante versatilidad y diestro manejo de la lira, es el profundo estudio que ha hecho de las diferentes corrientes que alimentan el blues, además de su agudo sentido del oído, lo que ya provocó que actualmente sea considerado el joven maestro de la Telecaster.
Emilano puede sonar terriblemente truculento, o bien juguetón, con un estilo moderno y desenfadado. Sus colaboraciones realizadas con el grupo español de los
Por su parte, Alfonso Robledo, el No se ha grabado, esta canción es posible escucharla en las presentaciones del grupo. Chivo Azul. Reyes del K.O., son sencillamente históricas. Krusty, es un bajista cien por ciento cumplidor, agresivo cuando hace falta, o elegante y fino, cuando la ocasión lo amerita. Por si fuera poco, canta con una fuerza y una intensidad asombrosa, lo que hace suponer que también es un atento escucha de los mejores cantantes del género (Agradecemos a Mario Compañet por la transcripción de la letra y la foto de los Mind Lagunas). Número 4 www.culturablues.com Página 63 Si pudieras ver mi mente, encontrarías tu nombre escrito en cada rincón
Si pudieras ver mi mente, encontrarías tu nombre escrito en cada rincón
Dejaría de ser el pasajero, el costal del viejo acero del tren del desamor.
Te he buscado en las cenizas, te he buscado en el dolor
Te he buscado tanto tiempo, que no sé a dónde voy
Mi vida sin ti no es nada, ya no tiene dirección
Hoy esculco en mis recuerdos, mientras cuento los inviernos
Que no te he podido ver.
Soy un tipo solitario, a punto de abordar su tren. 19 Canción: Blues de la espera Autor: Martín Pérez Páiz/David Pedraza Disco
No hay tiempo que esperar, Serpiente Elástica, banda de la ciudad de Puebla, ya está aquí, y en su segundo material discográfico presenta esta buena canción con acordes clásicos y la temática que maneja la banda a la perfección.
David y Martín (guitarra-voz y armónica respectivamente) son los creadores de este proyecto de canciones en español que no sólo se dedica a difundirlo a través de su música, sino también en diversos eventos para bien del estilo y del género. : La Serpiente Negra. Serpiente Elástica (2007) Supongo que debo esperar y esperar,
que caigas al fondo que busques escapar,
supongo que debo aguardar y aguardar,
hasta que tú me quieras encontrar.
Sé que no debo gritar,
que no puedo irte a buscar,
que en tus noches yo no existo,
que soy deseo fugaz.
Supongo que así me debo refrenar,
vagar y vagar por esta infame ciudad,
ya sin esperanza de verte llegar,
hasta que de besos te quieras embriagar.
Y que tu savia de hembra,
por tu piel vuelva a brotar, oh yeah
que rabia no hacer nada,
sólo esperar y esperar.
Supongo que aquí me tengo que quedar,
morder mis entrañas para no estallar,
atar mi fuego dejarlo en el lugar,
donde la noche nos vio naufragar.
Resguardar la memoria
y volverte a soñar,
mi cama es campo de batalla,
al que le falta el rival.
Supongo que debo esperar y esperar,
Supongo que debo esperar y esperar,
esperar y esperar,
esperar y esperar. Número 4 www.culturablues.com Página 64 20 Canción: El blues no morirá (Katrina) Autor: Luis A. Sifuentes/Adriana Torres Disco
Katrina fue un gran ciclón tropical que azotó el sur y el centro de los Estados Unidos en agosto de 2005. Produjo grandes destrozos en Florida, Bahamas, Louisiana y Mississippi.
Este suceso es la fuente de inspiración de esta agradable canción que los Amigos del Blues interpretan en su disco debut.
Un requinto excelso que hacer recordar por momentos a Gary Moore.
El blues no morirá es el lema que se escucha, y es exactamente el gran deseo de todos los que hemos elegido a este majestuoso género como propio para interpretar y hacer su difusión, ya que es evidente que nos provoca un sentimiento muy especial en nuestro cuerpo y alma.
La banda musical de Los Amigos del Blues de Aguascalientes (organizadores algunos de ellos del Festival AGUAS-BLUES) son: Gustavo Faz, batería; Jayme Hernández, armónica y voz; Flavio Sifuentes, bajo; Luis Sifuentes, guitarra y teclado; J. Guadalupe Ramírez, saxofón. : Amigos del Blues (2010) En una mañana de verano, llegó con fuerza descomunal,
Ella pretendía demostrarnos, que su poder era natural,
Katrina era su nombre, quiso violentamente con el blues acabar.
Pero algo que ella no sabía, puedes dañar la cuna pero las raíces perdurarán,
la cuna del blues está herida, pero seguramente sanará,
resurgirá con mayor fuerza y a Katrina demostrará que el blues,
que el blues no morirá.
Ahora canto con dolor, porque la herida es profunda,
pero las notas de este blues, nunca tocarán esa tumba, no,
el blues no morirá no, el blues no morirá, noooo, no morirá el blues no morirá,
no, no, el blues no morirá. Número 4 www.culturablues.com Página 65 21 Canción: Arrecife Autor: Luis Monroy Disco
Una balada-blues de grandes condiciones es esta rola original de Luis Monroy y su banda Monroy Blues desde la Huasteca Potosina.
Excelente instrumentación con una base de piano como siempre en sus canciones del proyecto de la banda, sobresale un buen requinto que levanta hasta lo más alto la voz rasposa de Martha notablemente inspirada.
Una canción representativa del estilo que ha llevado a la banda a un merecido lugar en el centro del país:
San Luis Potosí, Guanajuato, Aguascalientes, Querétaro y otros estados aledaños ha sido su área de acción.
Luis Monroy, piano y Martha Monroy en la voz encabezan la agrupación en esta rola, que se complementa de maravilla con Antonio Diaz en la guitarra, Fay Jonguitud en la batería, Misael Pérez contrabajo, Juan Carmona en las percusiones y Alejandra Meléndez en los coros. : Será Realidad/Monroy Blues (2009) Muchas veces he fallado pero siempre entenderé, que aunque no estés a mi lado yo contigo contaré,
Muchas veces he fallado pero siempre entenderé, que aunque no estés a mi lado yo contigo contaré.
Caminaste siempre junto a mí, mis desprecios no te hicieron desistir, arrecife que resiste los embates de mi mar,
Caminaste siempre junto a mí, mis desprecios no te hicieron desistir, arrecife que resiste los embates de mi mar.
Muchas veces he fallado pero siempre entenderé, que aunque no estés a mi lado yo contigo contaré.
Caminaste siempre junto a mí, mis desprecios no te hicieron desistir, arrecife que resiste los embates de mi mar,
Caminaste siempre junto a mí, mis desprecios no te hicieron desistir, arrecife que resiste los embates de mi mar.
Caminaste siempre junto a mí, mis desprecios no te hicieron desistir, arrecife que resiste los embates de mi mar. Número 4 www.culturablues.com Página 66 22 Canción: Te quiero clonar Autor: Mario Martínez Disco
Pieza clásica en las presentaciones la banda, conformada por Alejandro Ruiz en la guitarra y voz, James García en el bajo, Ari Franco en la batería, Mario Martínez, armónica, percusiones y voz; y José Luis García en los teclados.
Rola con un ritmo cadencioso y un riff de guitarra que enmarca todo el desarrollo del tema, una figura bastante llena de rock-blues y una letra en tono de broma, sarcasmo, con un deseo más que real: el amor imposible… bueno casi con esta extraña propuesta.
Para disfrutar y escuchar con atención.
La propuesta de la banda un poco alejada de los estándares del blues clásico, empieza a incursionar en fusiones interesantes sin dejar de lado las raíces, como bien lo indica el atinado nombre de su disco: Semilla de Blues.
Una expectativa que habrá que tener, es para ver si con esta propuesta la banda logra interesar a las audiencias en el sentido que la banda camina, hacia una corriente que bien podría ser considerada en una etiqueta que en México, al menos por el momento, no existe: el nuevo blues. : Semilla de Blues. Solaris Blue (2010) Quiero todo contigo y con nadie más,
pero tú no puedes y yo no puedo esperar,
la vida no es fácil, pero hay que seguir,
tan sólo una cosa, te quiero pedir.
Yo te quiero clonar, te quiero clonar,
yo te quiero clonar, te quiero clonar.
Con la nueva ciencia, querer es poder,
tan solo un cabello no te va a doler,
la copia es perfecta, todito es igual,
con un toquecito de originalidad.
Yo te quiero clonar, te quiero clonar,
yo te quiero clonar, te quiero clonar.
El mundo está lleno de confusión,
cosas que sirven y cosas que no,
por eso algo se me ocurrió,
tal vez sirva o tal vez no.
Si me pongo listo, no se va a notar,
que yo me quedo con el original,
con el original, con el original… Uuuuh! Número 4 www.culturablues.com Página 67 23 Canción: Dices que no tengo feeling Autor: Fede Aguado Disco
Desde unos de los barrios más humildes de Madrid, Puente de Vallecas, llegan dos figuras del blues español genuinas e imprescindibles:
30 años dando guerra y el respeto y cariño de sus compañeros y del público son las cartas de presentación de este bluesman que a mí, personalmente, me recuerda a un Bukka White blanco de nuestros días.
Su autenticidad no está basada únicamente en cantar buen blues al estilo clásico, que lo hace, sino en un casticismo tan llano que no engaña a nadie porque no lo pretende: es directo y sincero, con esa poesía surgida de la calle y cantada desde el fondo de su corazón.
Su discografía está repleta con narraciones de las aventuras y desventuras de un muchacho vallecano que, salvando el tiempo y las distancias, no son muy distintas de las que tuvieron los muchachos afroamericanos de la cuna del blues.
Durante años se le ha podido ver bien acompañado por el incendiario armonicista Osi Martínez aunque en la grabación elegida sea Ñaco Goñi quien le haga la réplica.
Se trata de la canción : De Madrid al Blues (2006) Fede Aguado y su inseparable guitarra National. Dices que no tengo feeling, una declaración de intenciones en la que reclama su derecho a cantar blues y sentirlo como propio a pesar de no haber nacido en el Mississippi y no ser negro. Dices que no tengo feeling porque soy blanco y de Madrid
Que no tengo feeling vas diciendo por ahí
Pero yo no puedo darte la razón porque los blues salen de mi corazón
No soy profeta en mi tierra, nadie da un duro por mí
Siempre lucho a tumba abierta, a menudo me toca sufrir Número 4 www.culturablues.com Página 68 Pero siempre encuentro una satisfacción porque los blues salen de mi corazón
Me despierto en la mañana, otro día a derrotar
Escupiendo unos acordes, en el escenario de un bar
Desde esa sucia barra dónde estás tú me escucharas cantar un blues
Dices que no tengo feeling porque soy blanco y de Madrid
No tengo feeling vas diciendo por ahí
Pero yo no puedo darte la razón porque los blues salen de mi corazón. 24 Canción: Cosas que le debo a Madrid Autor: Miguel Ríos / Ñaco Goñi Disco
Cuando el armonicista español Ñaco Goñi empezó a preparar la revisión de sus 30 años de carrera musical, decidió crear un disco de grabaciones en directo realizadas junto a sus mejores amigos de la escena bluesera nacional.
Blues con los colegas (2006) fue el resultado, un repaso no sólo a la carrera de Ñaco Goñi sino a la historia del blues en Madrid: Tonky de la Peña, Los Reyes del KO, Malcolm Scarpa, Antonio Serrano, Edu Manazas, etc.
Uno de los nombres que barajaba Ñaco Goñi, aunque con pocas esperanzas de obtener un sí como respuesta, era Miguel Ríos: la agenda de la leyenda del rock era lo suficientemente apretada como para dudar de su disponibilidad.
Sin embargo, los años que Ñaco acompañó a Miguel Ríos tanto en grabaciones en directo como en giras por todo el país, forjaron una relación profesional y de amistad que se plasmó en la grabación de una de las canciones con más fuerza del mencionado disco.
Se trata de Cosas que le debo a Madrid, canción autobiográfica originalmente grabada en el disco 60 mp3 (2004, 60 aniversario del nacimiento de Miguel Ríos), que cuenta la relación de amor-odio que el granadino tiene con la capital Madrid y que incluye casi todos los arquetipos del blues clásico: andenes de estación con maletas de cartón, pensiones de mala muerte, mujeres de una noche, garitos llenos de humo, visitas a la cárcel…
Miguel Ríos, sin ser un músico considerado blusero, y cuya fama ha sido conseguida a ritmo de rock ‘n roll, siempre ha sabido reconocer y rendir tributo a un estilo musical, el blues, que es el origen de la música que le dio a conocer. : Blues con los colegas (2006) Número 4 www.culturablues.com Página 69 Gracias a esta actitud, Miguel Ríos nos ha dejado algunos de los blues más memorables en castellano, como el mencionado Cosas que le debo a Madrid o, el quizás más famoso de todos ellos, El blues del autobús (aquella oda a la vida errante en la carretera).
Para la versión del disco Blues con los colegas, junto a Miguel Ríos y Ñaco Goñi, están los Bluescavidas: Kapo Alburquerque (guitarra), Flaco Barral (bajo) y Armando Mercé (batería); además del escocés recientemente fallecido Whisky David (piano) y del argelino de origen tuareg Amar Sundy (guitarra). Aún recuerdo, el humo del exprés
Hace un siglo y recuerdo, el frío en el andén
Acojonado en Atocha
Me vi aferrado a una maleta, sin trampa y de cartón
Con la posguerra
Pero Madrid me abrió la puerta en el año 62
Luego pensiones y amores de alquiler
Mil oscuras pensiones donde me espabilé
Madrid bendijo el pecado con las manos de una mujer
Un mes de trena, Hotel Carabanchel1, en el andén C 2 en la maleta, cargado de estupor 3 Por un porro a la trena, y yo me derrumbé
Maldigo aquella derrota de la que nunca me fugué
Pero Madrid también te debo la noche en que fui Dios
Un 6 de marzo te debo del año 82
No sé cómo pagarte el Rock ‘n ´Ríos del Pabellón4 Tuve desengaños, la vida es muy fané
Y entre tanto altibajo, siempre me fuiste fiel
He recorrido tus paredes con mi nombre en un cartel
Cuarenta años no caben en un blues
Pero sí recordarlos con toda gratitud
Madrid lo que te debo te lo canto desde el Sur
Madrid lo que te quiero te lo cuento desde el Sur
Madrid lo que te debo te lo brindo desde aquí. Notas:
1 Atocha: una de las principales estaciones de ferrocarril de Madrid
2 posguerra: Miguel Ríos se refiere a las posguerra española que duró desde el fin de la Guerra Civil Española (1939) hasta la muerte del dictador Francisco Franco (1975)
3 Carabanchel: prisión muy popular durante la posguerra española situada en el casco urbano de la capital, en el barrio del mismo nombre
4 Rock ‘r´ Ríos del Pabellón: Miguel Ríos recuerda el concierto de dos noches celebrado en el Pabellón de Deportes de Madrid en marzo de 1982 y cuya grabación se convirtió en uno de los discos más exitosos del momento con más de 450.000 copias vendidas. Número 4 www.culturablues.com Página 70 25 Canción: Juan Enrique Autores: Txus Blues & José Bluefingers Disco
Un par de irreverentes y cachondos. Esa es la mejor definición del dúo de blues acústico de Barcelona: Txus Blues (armónica) y José Bluefingers (guitarra).
Tal y como dicen en su página web: "¿Quién dijo que el blues es para llorar?"
Sus excelentes cualidades musicales sirven de soporte a letras mordaces y divertidas y, en la mayoría de los casos, estas letras tienen una importante carga de crítica social.
Y he dicho excelentes cualidades musicales porque la técnica que despliegan a la hora de interpretar sus canciones está a la altura de los mejores dúos de blues "serios".
Tres discos, una maqueta y más de diez años dando conciertos por toda España les han hecho merecedores del reconocimiento del público. Debido, sobre todo, a que son capaces de hacer reír a carcajadas a todo el mundo (algo muy difícil hoy en día) y también, por qué no, por ser capaces de comunicar y enseñar canciones con más de 100 años de historia de una forma amable y divertida.
Tal es el caso de la canción elegida, una versión de la balada de John Henry, con origen en las hammer songs allá por la década de 1870, llamada para la ocasión por el dúo cómico Juan Enrique. : Blues de la comedia (2009) Juan Enrique era un hombre de acero, trabajaba en el ferrocarril, era toda una leyenda y, según se cuenta, sus hazañas son más de mil, sus hazañas son más de mil. Juan Enrique tenía una maza más potente que un martillo pilón, si de un clavo se trataba él nunca fallaba, Juan Enrique era un campeón, él y su martillo pilón. Le gustaba el polvo del desierto y el polvo de la vía del tren, el polvo de la pradera en otoño y primavera y el polvo del agua también, y el polvo en el agua también. Las mujeres de todo el estado le pedían siempre algún favor Y como buen samaritano en vez de una mano siempre les echaba las dos, siempre les echaba las dos. Pero los tiempos estaban cambiando y Juan Enrique oyó decir que habían inventado algo muy sofisticado y que le iba a sustituir, y que le iba a sustituir. Número 4 www.culturablues.com Página 71 Se trataba de un artefacto económico y muy fácil de usar que en muy poco tiempo hacía lo que un hombre en todo un día y no se cansaba jamás y no se cansaba jamás. Y Juan Enrique lanzó un desafío y propuso una competición Y empuñando su herramienta le plantó cara a la ciencia: vamos y que gane el mejor, vamos y que gane el mejor. Si Juan Enrique venciera al progreso le seguiría por tierra y por mar Pero no solamente por eso, sino por un beso que me quiera dar. Se enfrentaron la máquina y el hombre en una contienda desigual mas se habían olvidado del factor humano, de ese factor físico y de ese mental, sobre todo de ese mental. Y Juan Enrique ganó el desafío pero no aguantó su corazón y ha pasado al firmamento de los héroes de los cuentos por caer al pie del cañón, él y su martillo pilón. Esta historia tiene su moraleja pero yo no la acabo de pillar, dime tú qué significa que el trabajo dignifica si te mueres por trabajar y te matas a trabajar. Número 4 www.culturablues.com Página 72
